Rage Against the Machine (Rock - Funk Metal)

Este año ha sido el año del retorno de las bandas emblemáticas del Rock. No sólo se reunió The Police y Soda Stereo, también se juntó a tocar Led Zeppelin, sin duda una de las mejores bandas de la historia del Rock.

Sin embargo, en esta oportunidad no me referiré a ninguna de ellas sino que una banda de la cual no hablo mucho pero que "me provocan" y eso ya es bueno, porque no es provocación en mala, sino que de las buenas, de las agitan las venas del "power rock", de las que te sacuden, te ponen un poco rebelde y que dan ganas de patear todo lo que sea INJUSTO, realmente injusto (que son muchas cosas en esta jodida vida). En resumen, te liberan con algo tan simple como tirar un buen garabato pero con muchas ganas.
Eso es lo que provoca la música de Rage Against the Machine.

Ahora regresaron en gloria y majestad y es muy posible que los tengamos en Chile el 2008 haciendo una gira nada más ni nada menos que con Cypress Hill y Deftones. ¿Qué tal?

Aquí va algo de su historia...
Rage Against the Machine (Rage o R.A.T.M.) es un grupo musical estadounidense. Constituido en el año 1990 por Tom Morello y Zack de la Rocha. Junto con Tim Commerford y Brad Wilk, el grupo tocó durante toda la década de los años 90 hasta su disolución en 2000. Luego se tomaron un descanso indefinido hasta que en Abril de 2007 y coincidiendo con la disolución de Audioslave anunciaron su regreso en el festival de música de Coachella en California, era la primera vez que tocaban todos juntos en siete años. A raíz de esto, la banda ha continuado dando conciertos en varios festivales. Incluso no se descarta la posibilidad de sacar un nuevo disco.

Su estilo característico es una sólida fusión de hip hop, rap, funk, punk, hardcore, y rock duro. Los solos del guitarra de Tom Morello se recalcan por sus prominentes usos de pedales y efectos, y sobresalen sus emulaciones de los scratch y otros efectos de los djs de hip hop. EL cantante Zack de la Rocha participó en grupos de punk y hardcore metal antes de volverse un apasionado de las rimas del rap: de ahí viene su estilo agresivo de rapear y los fuertes gritos que incluye en algunas canciones. Se aprecia también un pequeño toque de jazz por parte del bajista Tim Commerford, que perteneció a un grupo de ese estilo a mediados de los años 1980; finalmente, la batería de Brad Wilk está cargada de ritmos funk especialmente contundentes. Este estilo de fusión fue más tarde imitado por otras bandas, atribuyéndosele la etiqueta de Rapcore o Rap metal.

Son también conocidos por el contenido sociopolítico de sus canciones. Sus letras son rotundas, con un claro posicionamiento en contra del capitalismo y la globalización, y las formas de pensamiento, mentalidad y relación social que generan. De tendencias políticas de extrema izquierda [1] , R.A.T.M. destacó, además, por sus múltiples iniciativas de protesta y solidaridad con distintos movimientos de reivindicación sociales y musicales. El cantante Zack De la Rocha participó en movimientos derivados del EZLN. En los días posteriores a los atentados del 11 de septiembre, las emisoras de radio estadounidenses habrían censurado al grupo por alentar el antipatriotismo.

Gracias por haber vuelto... le hacían falta al PowerRock.
Rage Against the Machine (1990 -2007)

Andrés Calamaro (Rock Latino)

Calamaro, un SUPER CONSAGRADO.
Más de 30 años de carrera.
El Bob Dylan sudamericano.
Además de cantante, es productor y gran compositor.
Sus estilos van desde el Rock, pasando por el folk, el pop, hasta el tango.
La influencia de Andrés en el panorama musical español es indudable.
Bandas en las que participó: Raíces, Los Abuelos de la Nada, Los Rodríguez

Parte De Su Historia
Corrían los últimos años de los 70' cuando Miguel Abuelo (Líder de los Abuelos de la Nada) invitó al joven Calamaro a participar como tecladista de la banda. Andrés había recibido la invitación de Gustavo Cerati para integrar una banda que éste estaba formando, que luego sería conocida como Soda Stereo, pero decidió estar al lado de Miguel Abuelo. Llegó el éxito y en los recitales de la banda se congregaban multitudes y las radios no paraban de pasar los temas "Sin gamulán", "Mil horas" y "Costumbres argentinas", entre otros, todas creaciones del joven Andrés.
En 1984 Calamaro sacó su primer trabajo como solista: Hotel Calamaro, con producción de Charly García.
Más tarde trabajaría como productor musical de bandas como Los Fabulosos Cadillacs y Los Enanitos Verdes, entre otros.
Si bien tuvo éxito como productor musical, Calamaro se sentía más a gusto componiendo y tocando sus propios temas. Fue por tal motivo que decidió irse a España a formar Los Rodríguez .
Rodríguez (aparte de de ser un tremendo apellido) se les llama en España al hombre que sigue trabajando mientras la mujer se va de vacaciones con los hijos, esto le da libertad para hacer cosas que no puede el resto del año. Algo así como los viudos de verano.
Luego de varios años como solista, Calamaro volvía a formar una banda que terminaba su formación con Germán Villela en bateria y Daniel Zamora en el bajo. La banda editó tres álbumes en estudio (Buena suerte, Sin documentos y Palabras más, palabras menos) y uno en directo (Disco Pirata).
Con esto terminó de consagrarse y se ganó un sitio dentro de Los Elegidos de la música en español.

Aquí uno de sus mejores temas en solitario del Álbum "Alta Suciedad".

Loco
Voy a salir a caminar solito,
sentarme en un parque a fumar un porrito,
y mirar a las palomas comer,
el pan que la gente les tira,
y reprimir el instinto asesino, delante del mimo o del clown,
hoy estoy down violento, down radikal,
pero tengo aprendido el papel principal:
yo soy un loco, que se dio cuenta, que el tiempo es muy poco,
yo soy un loco, que se dio cuenta, que el tiempo es muy poco.

Ahora viene a Chile a presentar su último trabajo: "Lengua Popular".
Lástima que las entradas estén descaradamente caras, espero no sea culpa de él y alguna vez se pueda escuchar en vivo a precios más populares, porque igual sigue siendo un gigante del rock hispanoamericano.

Al final un regalito junto a Vicentico. "El Cantante".

Andrés Calamaro (1961-hasta hoy)
Artisticamente hablando vigente desde 1978

Formatos Musicales y La Agonía de los Sellos (Aporte Blogero)

Recuerdo que a los principios de los 90, cuando comencé a coleccionar música, lo difícil que era tener un buen disco. Habían 3 opciones:
comprarlo nuevo, conseguirlo con un amigo o acudir al inescrupuloso mercado negro( quien olvidará esos casetes re grabados que se vendían con fotocopias en blanco y negro, en la mayoría de persas y ferias libres). Bueno también estaban esos que sin un peso grababan directamente desde la radio , una y otra vez la misma cinta.

Claro, uno olvida fácil y cree que lo ha visto todo, pero la generación del mp3, los programas P2P, CD , I Tunes y copiadores a bajisimos precios no es, ni será lo último. Lo nuevo: la muerte de los sellos discográficos y e boom de la música gratis.

Hace algunos años me sorprendio una banda inglesa que se hizo a la fama gracias al sitio My Space a través de un blog que crearon sus fans, me refiero a Arctic Monkeys. Grupo británico que paso de regalar sus demos en recitales de bajo nivel a desplazar en ventas al mismísimo Robbie Williams en 2005. El poder de web había dado uno de sus primeros golpes a los sellos discográficos ya que a pesar que los monos del artico firmaron con un sello, las condiciones respecto a la autonomía de
creación fue muy favorables respecto a aquellos grupos que caen en las redes de las casa discográficas.

Luego de conocer a esto inescrupulosos simios congelados el mundo esta dando un nuevo golpe y quizás el más duro de todos, para terminar de una vez por todo con la explotación discográfica, que no sólo cobra enormes cifras por una pieza musical, sino que la mayoría de esos fondos se los lleva ellos y no llegan a las banda, nos imponen música basura y por lo demás pervierten a nuestro hermanos menores con la peste reggetonera del momento: plop!!!.

El golpe final, el principio del fin, lo dieron los británicos Radiohead con el disco In Rainbows y su enorme negativa de estos músico a tener un sello discográfico. En estos minutos , el disco se puede descargar gratis desde la web y si quieres comprar el arte, caratulas o su edición en el vinilo basta con que pagues los gastos de envío y de pongas con lo que tu crees que es razonable por la descarga.

Así como los depresivos ingleses quebraron el círculo, hoy se sumó el primer latino en regalar su disco vía web, tras diez años sin editar un disco Robi Draco Rosa , lanza en este formato "/Draco y el Teatro del Absurdo" que lo pueden descargar en http://www.phvx.com/descarga/.


Ignacio Loyola Rodríguez
Periodista y gran amigo rescatado de la universidad

Rock and Roll Circus (Rock & Blues)

Para la comunidad rockera que lee este blog sería un insulto explicar lo que significa esta pieza de colección de la historia del mejor Rock del mundo. Sin embargo me debo a todo lector melómano y amigos en avanzada, así que resumiré.

"Rock and Roll Circus" no es una banda, pero cuanto se hubiera agradecido que lo fueran. Se puede decir que es como una mini selección de grandes músicos que se juntaron a tocar así como jugando.

Organizado por la legendaria banda Rolling Stone, el Circo del Rock no sólo juntó a los músicos que aparecen en este video. The Who y Jethro Tull entre otros monstruos del Rock también participaron en una de las ideas más locas y vanguardistas de la época. (12 de diciembre de 1968).

Para los que nunca han visto este video se van a sorprender con un joven y espinilludo Clapton. Si tienen la oportunidad de conseguirse el DVD completo sería ideal, realmente es de Colección.


Tema: YER BLUES (John Lennon)
Músicos Paricipantes:
John Lennon (The Beatles)(Guitarra y voz)
Keith Richards (Rolling Stone)(Bajo)
Eric Clapton (Cream)(Primera guitarra
Mitch Mitchell (The Jimi Hendrix Experience)(Batería)


Hay una notable introducción de John Lennon y Mick Jagger muy puestos. Dos gigantes!!

Vuelve el Rock-Blues a este Blog... y de que manera!!!

Rock and Roll Circus (1968)

Soda Stereo (Rock Latino)

Y llegó el tan esperado momento.
La fanaticada lo exigía.
Fueron 10 años.
Una larga espera.
Los tendremos en el Nacional.
A estadio lleno.
Muchos nunca los vieron en vivo.
Me incluyo.
Conociendo el 99% de los temas.
Soñando con verlos desde niño.

Grupo emblemático de los 80’.
Ultra consagrados en los 90’
Leyenda hasta el día de hoy.
Ya son viejos crack.
Dinosaurios del Rock Latino.
Cerati es referente máximo para rockeros.
De las actuales y futuras generaciones.
El aire está lleno de Soda.
Todo suena a Stereo.
Ya comienza la fiesta…
“ME VERÁS VOLVER”

Hace pocos días hicieron vibrar a más de 70.000 personas que colmaron un estadio de Buenos Aires. Son simplemente los emperadores del Rock en Sudamérica.

Ahora quedan sólo horas para el primer encuentro entre los chilenos y los Viejos Zorros del Continente.

Un sólo recital no fue suficiente. El primero es este miércoles 24 de octubre, el segundo es el próximo miércoles 31 del mismo mes. Estimados contertulios nos vemos allá…!!

“Hipnotismo de un flagelo dulce tan dulce…”

Soda Stereo (1982-2007)

La Mano Ajena (Klezmer)

Si me pidieran recomendar una banda chilena contemporánea que hiciera tocatas para ir a verlos en vivo, lejos la primera que se me viene a la mente es La Mano Ajena. Es que sin exagerar son muy recomendables. No sólo porque todos los músicos son chilenos y de excelente calidad, sino que en su música se puede encontrar la alegría que le falta a este país, más bien apagado y conservador. Su música es ENERGÍA y mezclan muchos ritmos alucinantes.

La Mano Ajena es una pequeña gran orquesta que fusiona ritmos de Europa del Este y también de Rusia, Francia, Venezuela y otros países del orbe; mezclando todo en un perfecto pastiche que reúne las tendencias de cada uno de los integrantes de la banda, como el gusto por el Rock, el Punk, el Teatro o el Folclor Latinoamericano.

Las presentaciones en vivo del grupo se caracterizan por la enérgica y festiva interpretación, basta escuchar uno de sus temas, "Ashrenu", para entrar a una instantánea fiesta con gente bailando de la mano entre fanfarrias.

Son el grupo chileno que practica más al pie de cañón el Klezmer, son el grupo Klezmer de Sudamérica por excelencia…!! El Klezmer es música orquestada que nace desde el pueblo judío como canto litúrgico, al que se le incorporaron elementos de la música francesa y alemana durante la Edad Media.

Cuando La Mano Ajena compone sus propias canciones puede enmarcarse en el mismo patrón o desbocarse en otras direcciones y el resultado queda igual de bien terminado, con muy buenos arreglos de violines, acordeón, saxo y percusión y con la voz siempre amable de la cantante María Fernanda Carrasco. Su música puede remitir al bosnio Emir Kusturica y al croata Goran Bregovic, pero también ostenta una colección de percusiones del mundo entre djembés, darbukas, shekere y batería, incluye un funk gitano, un tango que termina en hot jazz, un joropo que desemboca en ritmos afro y rumbas.

En su mayoría, La Mano Ajena está compuesta por personajes vinculados al teatro. Ellos han participado, como músicos o actores, en diversos espacios como son El Teatro Del Silencio, La Patogallina, Los Mendicantes, o en obras como "Las Siete Vidas Del Tony Caluga". Estas tendencias marcan a fuego la propuesta del grupo y su histriónica música.

Músicos: María Fernanda Carrasco (voz, pandero y maracas), Rodrigo Latorre (voz, guitarra, teclado, flautín, saxo, zorna, djembé, eufonio), Joel Viera (voz y clarinete), Gabriel Moyla (voz, acordeón, saxo), Cristian Aqueveque (voz y bajo), Álvaro Sáez (voz, batería, djembé, darbuka, shekere).

Director musical: Rodrigo Latorre

*Este viernes 19 de octubre tocan junto a otras 2 bandas más en el Galpón Víctor Jara, ubicado en la entrañable Plaza Brasil. Es una buena instancia para que los escuchen en vivo, una experiencia recomendable para los que nunca han ido.
Los que ya han ido saben de lo que hablo. Nos vemos allá...
Grande Mano Ajena!!!

*De regalo dos videos: FAVELA y WEWO

Bob Marley (Reggae)

Robert Nesta Marley nació en Nine Miles, Saint Ann Parish, Jamaica el 6 de febrero de 1945, más conocido como Bob Marley o el hombre más legendario de la historia del Reggae.

En los años 60, plena juventud de Bob, Jamaica y su frenética ola del SKA estaba dando lugar a un ritmo más lento y sensual llamado Rocksteady*. El Rocksteady posteriormente dio paso al reggae como música auténticamente jamaicana. En un principio, el mensaje del rocksteady tenía una profunda conexión con el sector marginado de la población jamaicana, los denominados rudeboys adoptaron al rocksteady como manifestación de sus sentimientos de repudio al sistema de opresión a las clases populares.

La música reggae frecuentemente toca temáticas de tipo social, además de políticas o religiosas. Este compromiso que adopta en ocasiones el reggae permite enlazarlo con otros estilos como la canción de autor o el punk. El término reggae viene de la palabra inglesa raggamuffin, derivada de rag(harapo), y que literalmente significa harapiento. Fue utilizada para etiquetar a clases pobres, rastas y músicos jamaicanos y sus movimientos culturales. Después se derivó la palabra en ragga, y de ahí para nombrar al reggae.

El reggae, como sus antecesores, el rocksteady y el ska, se desarrolló influido por otros estilos que se escuchaban en Jamaica, basándose en sonidos Afro-Norteamericanos como el rhythm & blues, o de origen Afro-Caribeño como el Calipso, ska y otros ritmos antillanos. Actualmente han aparecido nuevos estilos se han hecho populares, entre ellos, el Dancehall y el Ragga. Consisten en un reggae con bases electrónicas, probablemente influenciadas por el Hip-Hop, Drum & Bass – y otros estilos.

El reggae influyó a muchos prominentes músicos de reggae en los años 70 y 80 con la cultura y religión Rastafari. Ras Tafari Makonnen, de Haile Selassie I Rey de Etiopia (1892-1975), venerado como un profeta por los rastafaris. Muchas canciones Reaggae hacen alabanzas a su Dios, Jah. Otros temas recurrentes en las letras son la pobreza, la resistencia a la opresión del gobierno y las alabanzas a la ganja.

Su Música…
The Wailers, grupo liderado por Bob Marley, fue fundado en Kingston, Jamaica en 1963, y sus otros componentes eran: Junior Braithwaite, Beverley Kelso, Bunny Livingston (aca Bunny Wailer), Peter McIntosh (aca Peter Tosh) y Cherry Smith.

Debido a la ‘espiritualidad’ que emanaban las canciones de Marley, tuvieron problemas para encontrar representantes. A principios de los setenta, se alían con Lee Perry, un productor que revoluciona su trabajo, dando como resultado algunas de sus mejores obras, como ‘Soul Rebel’, ‘Small Axe’, ‘400 Years’, etc. En 1972, el grupo edita su primer álbum, ‘Catch a Fire’, que tuvo gran éxito, lo que llevó a la casa discográfica a realizar una gira por Inglaterra y Estados Unidos. En 1973 salió a la luz su nuevo disco, ‘Burnin’, con nuevas versiones de sus viejos temas.

En 1976 se publicó ‘Rastaman Vibrations’, encaramándose a las listas de éxitos y siendo considerado como el más claro exponente de las creencias de Bob. El 5 de diciembre de 1976, Bob se disponía a dar un concierto en Jamaica, como reivindicación de la paz y los derechos de los ciudadanos de su patria. Pero unos desconocidos le atacaron antes del concierto, aunque sin herirlo. Tras este atentado, Bob Marley abandona jamaica y se trasladó a Florida, multiplicando sus giras por USA, Europa y Africa. Al año siguiente se editó el álbum ‘Exodus’, que se convirtió en un superventas en Inglaterra. En 1978, publicaron ‘Kaya’, un nuevo éxito con canciones de amor y de homenaje a la marihuana. Tras la publicación del disco ‘Babylon By Bus’, fruto de una gira por Europa y América, Bob visitó Africa, hecho que le inspiró un nuevo album, ‘Survival’, homenaje a la patria africana.

En 1980 publica ‘Uprising’, cuyo éxito fue arrollador, propiciando una nueva gira europea que batió todos los records de asistencia. Al finalizar la gira europea, Bob cayó gravemente enfermo de cáncer, causado por una herida que se había hecho unos años antes. El 11 de mayo de 1981 Bob Marley fallecía en un hospital de Miami a los 36 años. Su cuerpo fue trasladado a su ciudad natal, Nine Mile, donde descansa en un mausoleo. A su funeral acudieron el primer ministro y altas personalidades de su país.

Bob Marley dejó una larga lista de descendientes, muchos de ellos músicos también, pero lejos lo mejor que dejó el maestro Marley fue su música y energía. Eso se ve reflejado en los miles de homenajes que le hacen en todo el mundo y la gran cantidad de personas que lo escuchan con el respeto que merece un "Don" Elegido.

*Rockesteady: Es un ska con un tiempo más lento y que tiene como característica la acentuación de los tonos en el bajo y la disminución de la participación de los metales, como el trombón y la trompeta.

BOB MARLEY (1945-1981)

Luis Alberto Spinetta (Rock Latino)

Un iluminado, el hombre que edificó su propio continente con el rock. El flaco pertenece a esa camada de músicos argentinos que fueron pioneros a finales de los años 60, época donde se hacía la mejor música de todos los tiempos. Es un dinosaurio vivo.

El arte de Spinetta es una inasible dimensión de iluminadas precisiones poéticas y musicales. Dueño de una lucidez y una locura única que convierten al flaco en uno de los padres del Rock Latino, junto a Charly García, el otro precursor de los sonidos rockeros de Sudamérica.

Los primeros pasos fueron la construcción de su propio reino. Almendra, su primer grupo es considerada una de las bandas fundacionales del rock argentino junto a Los Gatos (primer grupo de Pappo’s) y Manal. Estamos hablando del año 1967.

Almendra es la clase de bandera que uno quiere ver cuando se pregunta si la música popular aún tiene la originalidad y vitalidad necesaria para realmente valer la pena. El primer disco de Almendra es considerado uno de los mejores del rock argentino. Música esencialmente ciudadana, con reflejos de bossa-nova, aires de jazz e influencias tan dispares como Los Beatles y Astor Piazzola. En este disco aparecen clásicos como “Muchacha ojos de papel” y Ana no duerme”.

Su segundo grupo Pescado Rabioso, formado a comienzos de los 70’ es el eslabón que une la dulzura de Almendra con la agresividad y los riffs de Invisible, su tercer grupo. En el año 1980 forma Spinetta Jade, su última banda antes de lanzar su carrera como solista hasta el día de hoy.

El “Flaco” Spinetta es uno de los músicos y letristas más complejos de la historia del rock. Su enorme talento, tanto musical como lírico, ha llevado a la crítica a considerarlo una suerte de gurú dentro de la historia del rock argentino, aunque su verdadera dimensión debería ser medida más allá de límites geográficos o culturales, a los que claramente trasciende.

Las canciones de Spinetta insinúan, transmiten a través de metáforas, y desnudan estados de ánimo de manera poco lineal. En un viejo reportaje, Pedro Aznar definió a Charly García como un periodista y a Luis Alberto Spinetta como un poeta. Como todo poeta Spinetta también ha funcionado como antena de nuestra sociedad y de nuestro mundo.

En líneas del propio Spinetta: "Tocar música desde la realidad es la idea avasallante que crea rock por doquier, sin más que al vivir en la intensidad de los lugares y a la vez desear una profunda cadencia que corte la húmeda tanguinolencia de río antiguo de Buenos Aires".
Músico, poeta, loco y lúcido a la vez!!

Discografía oficial

Almendra
• Almendra I (1969)
• Almendra II (1970)
• Almendra en Obras I (En vivo) (1980)
• Almendra en Obras II (En vivo) (1980)
• El valle interior (1980)
• Retrospectiva 1968-72 (1985)

Pescado Rabioso
• Desatormentándonos (1972)
• Pescado 2 (1972)
• Artaud (1973)

Invisible
• Invisible (1974)
• Durazno sangrando (1975)
• El jardín de los presentes (1976)

Spinetta Jade
• Alma de diamante (1980)
• Seru Giran & Spinetta Jade en Obras (En Vivo) (Disco doble) (1980)
• Los niños que escriben en el cielo (1981)
• Bajo Belgrano (1983)
• Madre en años luz (1984)
Spinetta y los Socios del Desierto
• Spinetta y los Socios del Desierto (1997)
• Estrelicia MTV Unplugged (1997)
• San Cristóforo (1999)
• Los ojos (1999)

Solista
• Spinettalandia y sus amigos (1971)
• Artaud (álbum) (1973)
• A 18' del sol (1977)
• Only love can sustain (1980)
• Kamikaze (1982)
• Mondo di cromo (1983)
• Privé (1985)
• La la la (con Fito Páez) (1986)
• Téster de violencia (1987)
• Don Lucero (1989)
• Exactas (Vivo) (1990)
• Pelusón of milk (1991)
• Fuego gris (1994)
• Elija y Gane (1999)
• Silver Sorgo (2001)
• Argentina Sorgo Films Presenta: Spinetta Obras (2002)
• Para los árboles (2003)
• Camalotus (2004)
• Pan (2006)

Luis Alberto "El Flaco" Spinetta (1950-hasta hoy)

Silvio (Trova)

Este es un homenaje a uno de mis máximos ídolos de antaño, aunque sigue siéndolo. Quiero que presten especial atención a la interpretación, al suave y a la vez con fuerza sonido de la guitarra, maestro!!!
Y para que hablar de la letra, siempre con extrema sensibilidad. Un HUMANO en todo sentido. Nada más que decir, sólo veanlo.
Una JOYITA INÉDITA, disfrutenla.

*Para escucharla tienes que detener el reproductor de música que está abajo.

VICTOR JARA (Folclor chileno)

Víctor Jara es de esos personajes que no se deberían escuchar sólo en septiembre, sino que todo el año. Se ha transformado en un referente máximo para cualquier músico chileno y sudamericano. Sino basta con escuchar este trozo de la canción “El Matador”: Qué suenan/son balas/ me alcanzan/ me atrapan/ resiste/ Victor Jara/ no calla"... (Los Fabulosos Cadillacs).

Jara es un grande, y dejó un sólido legado artístico. Podía captar muy bien la sensibilidad que necesita un canto sentido y luego llenar de fiesta el ambiente con su guitarreo campesino. Escucharlo es sentirse chileno, es conectarse con las raíces del Chile rústico.

Víctor formó parte del proceso de identidad chilena que se pretendió forjar en la época de Unidad Popular y hoy es un símbolo de ese tiempo. Fue escogido el compositor del año entre 1971 y 1972, después de eso compuso la música de continuidad de Televisión Nacional de Chile, conocida por todos quienes vivieron el comienzo de los años 70. Era un líder social que aglutinaba pasiones.

Algo de su historia
Jara nace el 28 de Septiembre de 1932. Es hijo de padres campesinos. Su padre Manuel, inquilino y su madre, Amanda de oficio cantora. Sus vecinos de la infancia y juventud lo recuerdan siempre como un hombre lleno de vida, alegre y esforzado. Como cuentan quienes lo conocieron, desde pequeño tomó la guitarra y se interesó por la vida artística, folclórica y cultural de Chile.

En su juventud realizó una intensa investigación a la vida campesina junto con su amigo, el actor Nelson Villagra. A los 21 años integra el coro de la Universidad de Chile, a los 24 años estudia actuación y posteriormente Dirección de actores en la misma Universidad.

Recibió diversos premios a lo largo de su carrera como Director de teatro y como cantautor. Entre ellos en 1965 el premio "Laurel de Oro" como mejor Director del año y más tarde el mismo premio pero como el mejor compositor del año. Además ganó el primer lugar en el "Primer Festival de la Nueva Canción Chilena" con el tema "Plegaria a un Labrador", junto al grupo Quillapayún.

A Víctor Jara se le puede conocer en profundidad en un libro escrito por Joan Turner llamado “Un Canto Truncado” y en un documental realizado por la periodista, Carmen Luz Parot, llamado “El Derecho de Vivir en Paz”, donde se puede recorrer el historial del asesinado artista.

Víctor murió un día como hoy 16 de septiembre, hace 34 años, en el entonces Estadio Chile a manos de militares en un agitado ambiente político y social que se vivió en 1973. Sin embargo hoy se le reconoce en todo el mundo como un influyente artista social y musical. Le han hecho diversos homenajes dentro y fuera de Chile. El año pasado se realizó un “Víctor Jara Sinfónico”, homenaje donde se ensambló lo clásico con lo popular. Con esto se dio un valor creativo a uno de los compositores chilenos más importantes de todos los tiempos.

Víctor Jara (1932-1973)

Violeta Parra (Folclor chileno)

La primera mujer destacada en el rincón de Los Elegidos.

Violeta fue una Elegida, tanto así que su música y obra siguen vigentes. Es una esencial dentro del mapa de la música chilena.

El legado de esta chillaneja es uno de los más trascendentes y valiosos de tierras chilenas. Es sin duda la folclorista más importante de nuestro país y fundadora de la música popular chilena. La primera joyita de la fértil familia Parra. Hermana de grandes personajes Parra, como Nicanor (el Antipoeta) o Eduardo y Roberto (creadores del jazz guachaca y las cuecas choras).

Lamentablemente Violeta no fue profeta en su tierra ya que se sentía más apreciada en el extranjero (especialmente en Francia, donde vivió un tiempo) que en su propio país. Error de siempre de los chilenos, apreciar más lo que viene de afuera y desvalorar lo que es auténticamente nacional. Ella era auténtica y positivamente nuestra, chilena hasta los huesos. Una compatriota por quien debemos sentir admiración.

Sus composiciones han sido elogiadas por críticos de todo el mundo, tanto por su compleja elaboración musical como por sus letras poéticas, ingeniosas y socialmente comprometidas. Se conocen distintas versiones de sus canciones, interpretadas por muchos artistas latinoamericanos y de todo el mundo.

Canciones mundialmente conocidas como “Gracias a la vida” y “Volver a los 17” se han considerado himnos humanitarios y han sido interpretados por artistas como Mercedes Sosa, Pedro Aznar (Argentina), Elis Regina y Milton Nascimento (Brasil), Joan Manuel Serrat (España), Silvio Rodríguez (Cuba), Susana Baca (Perú), Joan Baez (Estados Unidos), entre muchos otros.

Sus inicios
Violeta empezó de muy pequeña con actividades culturales y folclóricas. La guitarra fue su compañera desde los 9 años, y a los 12 compuso sus primeras canciones. Además de cantante y compositora, fue pintora, escultora, bordadora y ceramista chilena. Una artista en toda su plenitud.

En Chile es reconocida por sus pares como la “matriarca” del folclor y su legado ha quedado patentado en grupos como Los Jaivas, Quilapayún, Inti Illimani, Illapu o el mismísimo Víctor Jara, otro gigante. Los Jaivas tienen un disco completo dedicado a la música de la folclorista chilena, titulado precisamente Obras de Violeta Parra, que cuenta con colaboración de Isabel (hija de Violeta) y es considerado por muchos como el mejor disco de la agrupación viñamarina.

También existe un tributo rock producido por Álvaro Henríquez en el año 2001, titulado “Después de Vivir un Siglo” y cuenta con la participación de artistas como Los Bunkers, Pettinellis, Lucybell, Javiera Parra, Chancho en Piedra y Juanita Parra.

El 4 de octubre de este año la chillaneja cumpliría 90 años y debido a ello se realizarán diversos homenajes para recordarla. También este año se cumplieron 40 años de su muerte, el pasado 5 de febrero. Se suicidó en 1967 a la edad de cincuenta años. Tres años más tarde fue editado su libro Décimas, por impulso de su hermano Nicanor.
>>UltraVioleta<<

Violeta Parra (1917-1967)

LOS JAIVAS (Rock-Folk)

Únicos, grandes y nuestros.

Los Jaivas pueden ostentar sin complejos el título de la banda chilena de rock más importante de todos los tiempos.

Originarios de Viña del Mar, los hermanos Eduardo, Claudio y Gabriel Parra, junto a Mario Mutis y el gran Eduardo “Gato” Alquinta, son “Los Elegidos” con honores para abrir el espacio de música chilena.

Este tremendo grupo a través de su historia musical ha construido una obra representativa, irrepetible y prácticamente inclasificable. Lograron definir un estilo propio cercano a las raíces Latinoamericanas e identidad chilena desde finales de los años 60 hasta nuestros días. La unión entre la tradición musical ancestral de los pueblos sudamericanos, las formas de la música docta y la electricidad de los instrumentos del rock progresivo fueron su sello característico.

“High-Bass”, su primer nombre de banda surgió de la diferencia de portes de los integrantes, las espigadas estaturas de los Parra versus la menuda que tenían Alquinta y Mutis. Luego, para darle una marca más autóctona y distintiva con “lo nuestro”, decidieron adaptarla a JAIVAS.

El inicio de Los Jaivas se remonta al año 1963, año en que el Gato Alquinta era un adolescente y junto a los Parra y Mutis interpretaban un repertorio popular compuesto por boleros, rumbas, chachachá y bossa nova. No fue hasta el año 69’ con la explosiva aparición de Jimi Hendrix que enfocaron su música hacia el Rock, lo experimental y la vanguardia musical, siempre con un sonido propio. Era la época hippie, de la “Revolución de las Flores”, de Woodstock y muchos festivales de música libres, cuando Los Jaivas participaron en el mítico y recordado “Piedra Roja”, el Woodstock chileno.

Por esos años también fueron parte del trabajo del cineasta chileno, Raúl Ruiz en “Palomita Blanca”, que recreaba el álgido ambiente social y cultural de 1970. Esta banda sonora incluida en el álbum Palomita Blanca sólo llegó a las disquerías en 1992, ya que fue ridículamente censurada en la época del golpe de Estado.

El espíritu nómade de los músicos y su anhelo de vida en comunidad, hizo que se pasearan desde Argentina hasta Francia, países donde estuvieron durante su exilio. Toda esa época vivieron juntos y fue de un alto nivel de creatividad y composición musical. Por ese entonces el conjunto basó su proyecto musical en la obra Violeta Parra y en los versos del poemario de Pablo Neruda contenido en la obra “Canto General, Alturas de Macchu-Picchu”.

Esta última obra ha sido considerada una obra trascendente en la historia musical no sólo en Chile, sino que en todo Latinoamérica y el mundo. Representa el punto más alto de la banda y posiblemente de todo el rock chileno.

De su agrupación original se sienten hasta hoy la muerte de dos grandes, Gabriel Parra en el año 1988 y “Gato” Alquinta el año 2003. Ambos tuvieron una multitudinaria despedida de su pueblo agradecido por lo que entregaron a la música chilena.
Gabriel fue elegido por la revista británica Music Week como uno de los mejores bateristas que había pasado por Inglaterra hasta 1979.

Después de estas lamentables pérdidas, se incorporaron al grupo sus hijos, Juanita Parra (hija de Gabriel) y Eloy, Ankatú y Aurora (hijos del Gato). Así Los Jaivas llevan más de 40 años vigentes y se espera que sean muchos más.
Gracias por su música maestros!!

DISCOGRAFÍA
Álbumes de estudio
• La Vorágine (1969-1971; editado como set de 5 CDs en 2004)
• Los Jaivas; conocido como El Volantín (1971)
• Los Jaivas; conocido como La Ventana, y también Todos Juntos (1972)
• Palomita Blanca (1972; editado en 1992)
• Los Sueños de América, con Manduka (1974; editado en 1979)
• Los Jaivas; conocido como El Indio (1975)
• Canción del Sur (1977)
• Alturas de Machu Picchu (1981)
• Aconcagua (1982)
• Obras de Violeta Parra (1984)
• Si Tú No Estás (1989)
• Hijos de la Tierra (1995)
• Trilogía: El Reencuentro (1997)
• Mamalluca (1999)
• Arrebol (2001)

Discos en vivo
• Los Jaivas en Argentina (1983)
• Los Jaivas en Moscú; edición soviética (1983)
• Los Jaivas en Vivo: Gira 1988 (1991)

Recopilatorios
• Mambo de Machaguay (1980)
• En el Bar-Restaurant 'Lo Que Nunca Se Supo' (2000)
• Obras Cumbres; set de 2 CDs (2002)
• Canción de Amor (2005)

Álbumes homenaje
• Homenaje a Los Jaivas (2006)

Singles
• "Ayer Caché"/"Todos Juntos" (1972)
• "Mira Niñita"/"Cuero y Piel" (1972)
• "Indio Hermano"/"Corre que Te Pillo" (1973)
• "Mambo de Machaguay (primera versión)"/"En tus Horas" (1976)
• "Bebida Mágica"/"Sueño del Inca" (1978)

Videos y DVD
• Alturas de Macchu Picchu en Vivo (1999)
• Mamalluca: Nace una Obra Sinfónica (2000)
• Los Jaivas en Vivo, Gira Chile 2000 (2001)
• Alturas de Macchu Picchu (DVD reeditado) (2004)

Los Jaivas (1963- hasta la fecha)

Homenaje al vino chileno

Música de Tito Fernández "El Temucano"

Stevie Ray Vaughan (Blues)

…Y si hablamos de Blues, hay que destacar al gran Stevie Ray Vaughan!! El mejor guitarrista blusero blanco de todos los tiempos!!

El Blues es un género musical de origen negro, sin embargo, SRV dejó claro que los blancos también pueden blusear, y de que manera!!

Stevie ganó casi todos los galardones que un guitarrista de blues puede ganar. Fue admirado por sus pares músicos, tanto así que los Rolling Stones pagaron para verlo tocar en privado.

En plena gloria, fue adulado por la crítica y consagrado como “rey de los héroes de la guitarra”. Creó un grupo llamado Double Trouble, donde tocó con su hermano Jimmie Vaughan, interpretando grandes temas como “Pride and Joy” o “The House is Rockin”.

Lamentablemente un accidente en helicóptero acabó con su existencia a los 36 años y no alcanzó a ser conocido en vida por las actuales generaciones. De todos modos, su muerte despertó la vocación de numerosos guitarristas que disputan su sucesión y su música de a poco comienza a ser reconocida, transformándolo en leyenda y dejándolo con la estampa de INMORTAL!!.

Stevie Ray Vaughan (1954-1990)

Muddy Waters (BLUES)

La influencia del “Blues” en la historia de la música es inagotable. Patriarca de la mayoría de los estilos musicales. Por este motivo, merece un capítulo especial.

El blues se desarrolló en las comunidades de esclavos africanos del sur de Estados Unidos, a través de sus oraciones cantadas, canciones de trabajo y gritos de campo. Influenció fuertemente la música popular estadounidense, y occidental en general, llegando a formar parte de géneros musicales como el ragtime, jazz, bluegrass, rhythm and blues, rock and roll, hip-hop, soul, funk, música country y canciones pop. Increíble, pero cierto!!

No hay exactitud en denominar quien es el verdadero “Padre del Blues”, ya que este estilo afroamericano tiene su origen hace más de 100 años. En lo que no cabe duda es que Muddy Waters es uno de los viejos zorros de este estilo y en su tierra (Chicago) es considerado el padre del blues.

Se puede decir que este viejo zorro fue profeta en su tierra. Waters se caracterizaba por tener una carismática personalidad y su voz muy profunda, lo que marcó pauta para sus sucesores. Llegó a convertirse en la figura más reconocible del Blues de Chicago. Hasta B.B. King lo recordaría como el "Jefe de Chicago".

Los Rolling Stones se nombraron de esa manera por la canción de Waters de 1950: "Rollin´ Stone", también conocida como "Catfish Blues". El gran hit de Led Zeppelin "Whole Lotta Love" esta basado en la canción de Muddy Waters "You Need Love" que fue escrita por Willie Dixon. Y así se pueden enumerar decenas de hitos que marcó este dinosaurio de los sonidos del alma.
Larga vida al blues y a la música de Waters!!

Muddy Waters (1915-1983)

James Brown (FUNK & SOUL)

He aquí al Padre o Padrino del Funk y del Soul!!
Los orígenes del funk tienen sangre negra. Es la más negra de las músicas negras y como tal tiene bien ganado su sitial dentro de los estilos destacados en la historia de los ritmos, por eso es un Elegido.

El funk tiene acentuación muy fuerte del ritmo, sobretodo por parte del bajo; el resto de los elementos pareciera que bailaran al compás de este instrumento de cuerdas.

James Brown fue el hombre que transformó el gospel en 'rhythm and blues' y 'soul'. Su música contribuyó a crear estilos como el rap, el funky o la música disco. Su influencia en este arte de las melodías ha sido tal que músicos como Mick Jagger, David Bowie y Michael Jackson le han reconocido como el gran inspirador en sus carreras.

Junto a George Clinton, (el otro pionero del Funk) son los responsables máximos de que la música popular de la comunidad afroamericana llegase a una amplia audiencia.
El funk se puede describir como una fusión de elementos que mezcla el soul de Motown con el acid/jazz y R&B entre otros, que al ser bien logrado puede ser interpretado incluso sólo por una batería y un bajo que son los instrumentos fundamentales de esta música de los dioses.

Brown se nos fue hace muy poco, el año pasado, pero nos dejó su música y sus herederos y eso siempre se agradecerá. Hasta siempre James!!
El Funk nunca muere como dice un amigo!!

James Brown (1933-2006)

S F D K (Hip Hop)

Siempre Fuertes De Konciencia.

Acción Sánchez (DJ) y Zatu el ingeniero (MC). Son dos elegidos de otro estilo de música que hace vibrar a mucha gente por sus mensajes y ritmos, el Hip Hop.

SFDK simplemente la lleva. Son el grupo más emblemático de la escena hispana en este género. Pertenecen a ese brillante círculo del hip hop que surgió en Sevilla, donde también se puede mencionar a Tote King, Juaninacka o Legendario, entre otros.

Mentes disparando como en ametralladora ideas con forma de rimas inteligentemente elaboradas que provocan ese tan ansiado “clic” en los oyentes. Frases hablando del cotidiano, de las vivencias callejeras y del ser humano en toda su amplitud. Son un verdadero fenómeno hardcoreando y rapeando de todo sin censura, no le piden permiso a nadie para decir unas cuantas verdades al mundo.

Existe un sonido SFDK totalmente reconocible, tanto por las bases de Acción Sánchez como por la voz de Zatu y por los muchos himnos que tienen en su amplio repertorio. Zatu es un comunicador nato que llena el escenario con su presencia, es el ingeniero del rap. Fue el ganador de la primera edición de “La Batalla de los Gallos” después de haber sido “Disco de Oro”.

Oscar Sánchez, es el DJ de SFDK, maestro en lo suyo, el sampleo. Pincha discos y le da las bases rítmicas precisas a las provocadoras letras del Zatu. Juntos dan cátedra de rapeo en español, y ya lo vienen haciendo hace 10 años cuando nadie se atrevía a rapear en español por ser un ritmo originalmente anglosajón.

Su último disco llamado “Los Veteranos”, todavía no tiene tanto eco debido a que el disco anterior llamado “2005” dejó la vara demasiado alta. Muchos se engancharon al rap después de escuchar este disco, los más reticentes al menos se abrieron a la posibilidad escucharlo y la verdad es que nadie ha quedado indiferente ante los mensajes que vienen en los temas de este extraordinario disco.

El 2 de septiembre los tendremos en Chile por tercera vez, en el Teatro Caupolicán. La dos veces anteriores no eran tan conocidos, ahora sería una buena posibilidad para verlos en vivo junto a Dead Prez, uno de los dúos norteamericanos más importantes del mundo en este género.
SFDK (1997- Hasta la fecha)

Jimi Hendrix (Monstruo del Rock)

El zurdo Jimi Hendrix, muerto a los 27 años de edad, ha sido considerado el mejor guitarrista de la historia de la música rock de todos los tiempos en muchas ocasiones.
Probablemente lo sea, sin desmerecer a enormes exponentes de este gran instrumento de cuerdas, ya que el norteamericano poseía un enorme dominio de la guitarra eléctrica en la cual expresaba con una extraordinaria habilidad sus emociones.
Jamás estudió música, fue un artista autodidacta. No fue muy reconocido por sus letras, debido a su virtuosismo y destreza con la guitarra, pero escribió grandes canciones.
Junto al bajista del grupo The Animals, Chas Chandler, crearon en 1966 el grupo “The Jimi Hendrix Experience”, con el cual publicaron 3 discos y posteriormente grabó su último disco en vivo en 1970 antes de morir.
Jimi fue por lejos uno de los máximos astros que participaron en los festivales de Woodstock (1969) y la Isla Wight (1970), dos de los conciertos más grandes e importantes de la época hippie.
El gran Hendrix tiene su sitial bien ganado entre los grandes genios de la música porque ha sido escuela de otros grandes guitarristas de Rock hasta la actualidad. Hoy es reconocido en el mural de Los Elegidos.
Iimi Hendrix (1942-1970)

Grand Funk (Classic Rock)

Pocos grupos lo han tenido tan jodidamente claro: ROCK.
Los orígenes de Gran Funk se remontan al año 1969, año en que el “classic rock” volaba muy alto. Y aunque fueron ignorados por la crítica en aquella época, este power trío fue una de las bandas de hard rock de EE.UU. que logró un seguimiento masivo por parte de sus fans, habiendo vendido más de 25 millones de discos.

La alineación corriente de Grand Funk usa el sobrenombre de "La banda americana", de su primera canción éxito "We're an American Band". La componen Mark Farner (vocalista, guitarra), Don Brewer (vocalista, batería) y Mel Schacher (bajo).

Entre los mitos se cuenta que es la banda favorita de Homero Simpsons. No suena tan insólito, ya que millones de personas en el mundo la tienen como una de sus favoritas.

En el año 1971 Gran Funk rompió el record de asistencia implantado por los Beatles, en el Shea Stadium, al vender todas las localidades en 71 horas. Ese record sigue vigente hasta el día de hoy.

Pese a que este Power Trío se desintegró por diversos problemas, en el año 2000 se reunió el bajista, Schacher, junto al baterista y vocalista, Brewer y decidieron volver a darle vida a Grand Funk Railroad, esta vez sin Farner. Sin embargo, reclutaron a Max Carl en voz y Timothy Cashion en teclados. Desde entonces, “la banda americana” ha construido a nueva audiencia y recuperando fans de la banda original.

Grand Funk Railroad (1969-hasta la fecha)

The Beatles (Classic Rock)

Los indiscutibles nº 1… master de masters de la música!!!
Padres del Rock Clásico, época dorada del Rock (1960-1975)
Influencia de muchas generaciones, son los responsables junto a Rolling Stones de la formación de la cuna del Rock británico, sin duda el mejor Rock de la historia por décadas.
Incursionaron en una gran cantidad de géneros, tales como el blues, el rock and roll, el rock psicodélico y el rock sinfónico, entre otros. Siendo uno de los grupos pioneros y escuela en Inglaterra de bandas de todo el mundo hasta el día de hoy.
La carrera de los Beatles siempre fue en ascenso, rupturista y con estilo propio. Pasaron desde música para calcetineras hasta rock pesado y música de vanguardia. Todos sus discos tienen algo interesante para lucir y aunque en Chile se han publicado cerca de 15 álbumes, la discografía mundial supera los 40 discos entre álbumes y singles. Personalmente recomiendo para los que no los conocen en profundidad: The White Álbum, Revolver y Abbey Road. Tres discos variados con temas de lujo.
El cuarteto de Liverpool compuesto por John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr es la banda elegida por excelencia para abrir este espacio dedicado exclusivamente para los profetas de la música, los grandes maestros transformados en leyenda que inspiran día a día a los “melómanos”.
The Beatles (1957-1970)

La magia que provoca la música...

La música… el arte de las musas!
De todos los lenguajes universales, la música, es de los más deliciosos. Este espacio está pensado para los melómanos y todos quienes sientan, gocen y vivan la música.

Las melodías nos hacen subir los estados de ánimo, nos acompañan, nos entretienen, nos comunican y motivan las actividades que estemos realizando. Dependiendo del contexto y tipo de música que se esté escuchando puede llegar a provocar estados de euforia y catarsis…

La enciclopedia Wikipedia define la música como el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos.

Como en todo ámbito existen buenos, malos y regulares exponentes musicales en sus distintos estilos. Yo me centraré en destacar los estilos y exponentes que a gusto personal son “Los Elegidos”. Los que me mueven, me prenden, me estimulan, me emocionan, me seducen, me llenan de energías y que provocan que mucha gente sienta sensaciones intensamente agradables, mágicas y electrificantes, porque simplemente LO LOGRAN.

Estilos y derivaciones de estilos existen muchísimos para provocar y para todos los gustos, bueno esa es la idea, no. Depende del estado de ánimo, la situación por la que estemos pasando, las personas, el contexto, escuchamos ciertos grupos o cantantes y en otros momentos otros. Pero casi siempre recurrimos a los favoritos, a los discos de cabecera, los temas que nos conectan con parte de nosotros mismos, los que vuelan nuestras mentes, los que no pueden faltar en los viajes o minutos clave de la vida. Y antes de exponer los míos o paralelamente cuando vaya hablando de ellos, cae de cajón la pregunta...
¿Cuáles son tus Elegidos (grupos y/o estilos)?

…Porque escribir y comunicar se ha vuelto una necesidad…

¿Cuándo es el mejor minuto para escribir?
¿En un estado de inspiración
Cuándo se está ahogado, casi desesperado por expresar algo.
En un momento de rabia, injusticia, melancolía, dolor, miedo, inseguridad, sufrimiento, soledad
O cuándo la sensibilidad se encuentra más a flor de piel?


A mi en especial me gusta escribir de noche porque me inspiro más, aunque en realidad da lo mismo cuando sea... lo importante es que si dan ganas de escribir y comunicar algo, hay que hacerlo. Yo estuve mucho tiempo con muchas ganas de escribir y no me atrevía a dar el paso más importante, que es "HACER".

El primer paso si se quiere escribir es simplemente tomar un lápiz y un cuaderno o agenda y largarse a escribir lo que esté pasando por la mente y ojala sin filtrar o autocensurar nada. Algo así como VOMITAR IDEAS y plasmarlas en un papel.

Muchas veces las mejores ideas salen en la calle cuando vamos caminando, en el metro, en la micro. Bueno, ahí lo aconsejable es andar con una libretita de notas y rescatar las ideas.

Los escritos más notables nacen del desahogo, independiente del estado que una persona se encuentre. Generalmente hay una sensación de inquietud o sentirse afligido por algo puntual, que sin duda debe ser de real importancia pero no necesariamente de extrema gravedad.

El secreto está en dejar fluir la pluma, no preparar con anticipación las palabras. Como casi en cualquier actividad lo mejor sale de forma espontánea y no tan programada. Como las juntas con amigos, los asados (hagamos un asado, hagámoslo altiro), hacer música, las salidas chistosas, los arranques a la playa, etc.

La receta es dejarse fluir que algo bueno va a salir de eso. Yo les comunico que me decidí a escribir desenfrenadamente, como un ejercicio intelectual, como una terapia de sanidad mental, entre otras cosas. Ahora me siento bien!!! A los que todavía no lo hacen se los recomiendo, a los que ya están en la misma que no paren..... ;)

De todos modos dejo planteada la inquietud: ¿Cuándo es el mejor minuto para escribir?

Impro callejera

los hermanos del blues...