Nunca me cansaré de hablar de los Beatles y menos de escucharlos, muchos de sus discos son obligatorios y de cabecera. Pasan los años, las modas, los caprichos y ellos siguen allí, en su propia cumbre, intocables. Y estos días navideños, en particular, parecen enteramente dedicados a ellos.
Son tranversales a los tiempos, su música es universal. Yo recomiendo en estos dias escuchar, en completa soledad, el tema que aparece en el Albúm Stg. Peppers "She's leaving home", sentados o recostados y ojala con los ojos cerrados. Es un verdadero viaje lleno de emoción, tanto que dan ganas de agradecer la tremenda sensibilidad de McCartney.
Jhon, Ringo, Paul y Gorge, una vez al año entre 1963 y 1969 se encerraban en un estudio a grabar material que era una especie de discos de Navidad. Aunque no eran de por si canciones navideñas, incluía a los chicos de Liverpool haciendo tonterías en el estudio, creando canciones navideñas (y otras improvisadas) e insertando los obligados deseos por las fiestas. Cada vez que la Navidad se acercaba, Los Beatles entraban en el estudio y grababan algo que enviaban via club de fans a sus seguidores.
Por un lado, las grabaciones contenían canciones originales de los Beatles que no habían sido lanzadas o eran difíciles de encontrar; desde cosas obvias como "Everywhere It's Christmas" hasta el excelente "Christmas Time Is Here Again" (una canción que contiene algunos de los mejores momentos de Ringo en batería), hasta el solo de Paul, "Happy New Year", que suena como "I've Got A Feeling".
Temas 01. Christmas Time Is Here Again (1967) 02. The Beatles Christmas Record (1963) 03. Another Beatles Christmas Record (1964) 04. The Beatles Third Christmas Record (1965) 05. The Beatles Fourth Christmas Record (1966) 06. Christmas Time Is Here Again (1967) 07. The Beatles 1968 Christmas Record (1968) 08. The Beatles Seventh Christmas Record (1969) 09. Christmas Message Outtake Bonus (1964)
Ahora solo queda celebrar esta Navidad 2008 con las personas más queridas y esperar que el próximo año se venga lleno de buena música y alegría para todo el mundo. Escuchen a Los Beatles en cualquier época del año y disfruten de la mejor música del mundo.
Nace en el barrio Yungay, Santiago. Hijo de Luis y Flor. A los 19 años ingresa a la Escuela de Derecho de la Universidad Católica de Valparaíso. Sin embargo en 1973, a sus 20 años, cambia de casa de estudios e ingresa a la Universidad de Chile (Sede Valparaíso, actual Escuela de Derecho de la Universidad de Valparaíso) a continuar los mismos estudios. A fines del mismo año es detenido por el Servicio de Inteligencia Naval de Chile, acusado de comunista y revolucionario, por lo que es enviado a la bodega del Barco Lebu.
La navidad de ese mismo año estuvo en el cuartel Orden y seguridad Silva Palma. Mientras que el año nuevo de 1974 lo pasó en la cárcel de Colliguay en Quebrada Alvarado. Esta cárcel fue llamada por la infantería marina Operativa X o Melinka. Posterior a este episodio, fue llevado a la cárcel pública de Valparaíso.
Luego de veintidós meses fue expulsado de su país, con rumbo a Inglaterra, donde vivió diez años. En Londres estudió en The City University obteniendo un Bachelor in arts con mención en sociología.
En 1983 le fue permitido regresar a Chile, retornando en 1985. Desde entonces reside en Santiago. En nuestro país ha desarrollado diversos talleres de literatura en recintos penitenciarios de Valparaíso y Santiago.
Fue en su estadía en el país anglosajón, donde escribió su obra más destacada. Por ejemplo: "El tango del adiós", en el cual imagina al ejército rojo londinense, cantando canciones revolucionarias. Así como también el poema "Las encomiendas", que retrataría las comunes encomiendas que mandaban las madres a sus hijos exiliados.
Su obra se destaca por la ironía, la sátira y el humor, donde convierte cualquier realidad en poesía. Hoy se pasea tranquilo por las calles de su Santiago natal, con guitarra en mano componiendo y realizando tocatas en el Galpón Victor Jara o Matucana 100, por decir algunos lugares.
Vale la pena ir a escucharlo ya que es un personaje típico chileno que cuenta historias de piel con su buena cuota de ironía. Últimamente se ha acercado musicalmente al blues y los ritmos de fusión. Vale completamente incluirlo en la galería de Elegidos, ya que es un poeta y músico que está en peligro de extinción.
Banda inglesa con raíces netamente rockanroleras y bluseras. Su música es de culto para los amantes del Rock Clásico, explotaron en el Festival de Woostock del año 1969 (el original), pero nacieron mucho antes, junto con bandas como Cream o Creedence.
Debutaron el año 67 en el séptimo festival de jazz y blues de Windsor. Su fama se disparó en ese año y se consagraron en el Festival de Woodstock, donde ejecutaron el tema I'm Going Home (video publicado + abajo), que colocó a Alvin Lee entre los líderes de la guitarra de su tiempo.
Gran sorpresa me causó cuando supe que esta banda leyenda del Rock Clásico de los 70, vendrá a Chile el próximo año a celebrar los 40 años de su exitoso paso por el Festival Woodstock. Lamentablemente tocaran para un público reducido, por lo tanto la entrada va a estar a un precio casi inalcanzable, sólo para los fanáticos y quienes puedan pagarla podrán verlos en el BackStage, local ubicado en el patio Bellavista y que ha dedicado el 100% de su causa en traer buenas bandas y que toquen en vivo.
Solo queda esperar que alguna empresa de eventos o productora organice un recital con ellos a un precio más accesible y los que admiramos su música (que no somos pocos) podamos disfrutar de su show en vivo y su paso por nuestro país.
Podría llenar de elogios a esta tremenda banda que tocó el cielo en la época de las flores, y aunque el dato duro dice que duraron menos de 10 años vigentes, The Doors dejó una huella tan grande en el Rock-Blues mundial, que son un grupo fundamental para cualquier amante de la buena música.
Morrison y Manzarek (voz y teclados respectivamente)consideraban que el rock podía convertirse en una nueva religión dionisíaca, que ofreciera al público una experiencia comparable a la tragedia griega o el éxtasis chamánico. La filosofía de los Doors siempre fue integrar satisfactoriamente elementos de diversas artes, entre ellas la poesía, el teatro y, desde luego la música tratando de representar la vida común y siempre tratar de aprovecharla.
El estilo musical de la banda de Los Angeles se basa en una mezcla de blues y psicodelia. Las letras del grupo, compuestas principalmente por Jim Morrison, se apartan en buena medida de las convenciones del pop de su época. En los textos de los primeros discos (The Doors, Strange Days), el elemento visionario propio de la psicodelia aparece expresado en imágenes que beben de la tradición romántica y simbolista, actualizándola con guiños al existencialismo y el psicoanálisis.
Clásicos como "Light my Fire", "People are Strange" o "The End", son parte de la columna vertebral del Rock Progresivo de los años 60'. Cuna de la mejor generación rockera de todos los tiempos, junto a Led Zepelin, Rare Earth, Grand Funk o Deep Purple, entre muchos otros.
The Doors son recordados por sus chamanísticas interpretaciones. Sim embargo, algunos miembros de "la clase dirigente" sentían que la música de la banda no era más que música de rebeldes norteamericanos. Jim Morrison dijo:
" Me gusta cualquier reacción que pueda causar con mi música. Simplemente cualquier cosa que deje a la gente pensando. Creo que si puedes lograr que una habitación entera llena de borrachos realmente se despierte y piense, estas haciendo algo".
Su popularidad sigue viéndose reflejada en las continuas ventas de su trabajo. En 1991, el director Oliver Stone estrenó su película The Doors protagonizada por Val Kilmer como Jim Morrison, y algunos cameos de Krieger y Densmore.
Morrison, un personaje que está inserto en la historia de la música popular, murió el 3 de julio de 1971 en Paris. Un poco tiempo antes morían Jimi Hendrix y Janis Joplin, esto marcó profundamente a Morrison, quien era un consumidor de cuanta droga encontró en esa época, al igual que Hendrix y Joplin.
La banda norteamericana tuvo vigencia desde julio de 1965 hasta 1973 y son considerados junto con bandas como Jefferson Airplane y Grateful Dead, los máximos exponentes de la psicodelia de los 60's.
Los integrantes de estos super Elegidos: *James Douglas Morrison (Jim Morrison)1943 - 1971, Vocalista, Armonica. *Raymond Daniel Manzarek (Ray Manzarek)1939 - , Tecladista, Coros. *Robert Alan Krieger (Robby Krieger)1946 - , Guitarrista, Armonica. *John Paul Densmore (John Densmore)1944 - , Baterista,¨Percusionista.
Aquí los dejo con un viejo clásico de los Doors: "Hello, I love you"
Un despliegue de artistas más grande que el Festival de Viña, pero en sólo dos días. Este magno evento reúne a varios Elegidos por una sola causa, celebrar el cumpleaños número 100 de Salvador Allende Gosen.
Más que un acto político en sí mismo, es el reconocimiento de un centenar de artistas a una idea o utopía que representó el Presidente de los trabajadores y que es valorada en muchas partes del mundo. Y aunque no alcanzó a terminar su Gobierno por los motivos que ya se archi-conocen, nadie puede negar que nunca se había respirado tanta cultura en Chile como a fines de los años 60' y principios de los 70'.
"100 Años, 1000 Sueños" es el nombre de esta fiesta popular que tiene una décena de invitados internacionales que se presentarán este sábado 8 de noviembre. Entre ellos se encuentran: el gran Joaquín Sabinas, Juanes, Miguel Bosé, Ana Belén, Victor Manuel, Ismael Serrano, Pedro Aznar, Kevin Johansen y muchos más.
El show doble comienza este viernes 7 en el Estadio Nacional con un marcado número de artistas nacionales, entre ellos: Inti Illimani Histórico, Quilapayún, Congreso, Illapu, Lucybell, Chancho en Piedra, Los Miserables, Tommy Rey, Mauricio Redolés, Chinoy, Manuel García y Francisca Valenzuela, entre muchos otros más. Serán horas y horas de música, un verdadero placer para los recitaladictos.
La idea de este blog siempre ha sido hablar y debatir sobre música, es por eso que no ahondo más en el tema social y político que puede evocar este tipo de eventos musicales. Sin embargo, dejo abierto el espacio para quienes quieran profundizar en el tema, para bien y para mal, pero siempre con argumentos y no con insultos porque serán borrados.
En pocas semanas se espera la llegada a Chile de una de las bandas "Leyenda" que siguen vigentes, considerada dentro de las mejores de la historia del Rock. R.E.M. integra la lista del SUE 2008 junto a Mars Volta, Kaiser Cheifs y Jesus & Mary Chains, que se realizará los próximos 3 y 4 de noviembre en el Movistar Arena.
La influyente banda norteamericana pisa por primera vez nuestro país para deleitar a sus fanáticos, que los han esperado por más de 15 años. Todo indica que SUE (Santiago Urbano Electrónico)2008 va a ser el evento del año junto al concierto de Madonna, que también viene por primera vez a Chile.
R.E.M. nació en 1980 en el Estado de Georgia, EEUU. Las siglas REM eran utilizadas por los expertos para denominar un período del sueño y su significado es "Rapid Eye Moviment".
SUS INICIOS En la década de los 70, plena era punk, un estudiante de arte llamado Michael Stipe conoce a un coleccionista de LP´s de los años 60 llamado Peter Buck. Ambos se unen a dos músicos experimentados, Mike Mills y Bill Berry, y comienzan a tocar en pubs locales en la ciudad de Athens. Pronto se expanden por todo el Estado y en 1982 publican un EP, Chronic Town, con la discográfica I.R.S. Records.
Así nacen los creadores de "Losing My Religión" y "Everybody Hurts", que han sido inspiración de bandas de desarrollo posterior y que en el 2007 fueron introducido nada menos que al Salón de la Fama del Rock.
Consagradisimos desde los años 90', sus canciones han permanecido siempre dentro de los ranking más importantes del planeta. Sus mayores éxitos los consiguieron a comienzos de esos años con sus discos:Out of Time (1991) y Automatic for the People (1992), los cuales consolidaron totalmente al grupo. Tanto fue así que R.E.M. alcanza el estatus de banda de culto en todo el mundo, por delante de grupos como U2 o Nirvana en las listas de ventas.
El 1 de abril de 2008 salió a la venta su último disco de estudio, "Accelerate", producido por Jacknife Lee y cuyo primer single fue "Supernatural Superserious", que ya se puede escuchar en las radios y su video se puede ver en youtube.
Aquí les dejo la presentación y la invitación que ellos mismos promocionan para asistir a sus conciertos, aunque no es necesario promocionar nada, ya que son una banda ultraconsagrada y una de las más importantes del Rock y que siguen vivitas y coleando por el mundo. Sólo queda decir, que disfruten los que puedan asistir al SUE 2008.
Igual les recomiendo que vean el Trailer, es cortito pero bien bueno.
Multifacético artista serbio, conocido mundialmente por sus creativas películas y por su música gitana que no dejan indeferente a nadie. Ha trabajado en varias de sus películas con el gran Goran Bregovic, incluyendo "Tiempo de Gitanos" y "Underground". Lo último que lanzó fue un documental sobre Diego Armando Maradona.
Este destacado músico y cineasta visita Chile nuevamente este 12 de octubre. Y no viene sólo, trae con él a "The No Smoking Orchestra". Es una banda de punk de la ex Yugoslavia formada en los años 80 por Nenad Jankovic, con el nombre de "Zabranjeno Pusenje", en serbio-croata "Prohibido Fumar".
La música que ellos entregan no es tan simple. Se le podría denominar "techno-rock gitano" a lo que hace ésta banda. Sus letras se entienden poco en países de habla hispana, sin embargo, contienen mucha sátira a la política y a los musulmanes bosniacos, con lo cual tuvieron muchos problemas con religiosos y políticos.
Lo mejor es la puesta en escena y la agitación que se produce en la masa cuando empiezan a sonar los ritmos gitanos y toda la fuerza del Klezmer con muchos músicos rompiéndola en el escenario. Aquí en Chile (guardando las proporciones) he visto ese fenómeno con bandas como La Mano Ajena y la Banda Conmoción.
Puede decirse que "Gato negro, Gato Blanco" incluye el primer hit internacional del grupo: ahí se ve a ese repugnante gitano mafioso, cocainómano y traidor, colocarse cada vez que estalla el estribillo de “Pitbull Terrier”, una explosión de sobrecarga anabólica de eso que sus autores bautizaron el sonido “Unza Unza”.
El Unza Unza es una mezcla de punk, funk, ritmos gitanos, jazz y otros estilos que hacen a este estilo único y movido. Aquí está el video para que lo disfruten y los que asistan este domingo al Caupolicán les garantizo que no se arrepentirán. Kusturica la lleva!!
Antes de terminar el mes de Septiembre, no puedo dejar de hablar de uno de los grupos emblemáticos de Chile, reconocidos en gran parte de Europa, América Latina y aplaudidos en casi todo el mundo.
Es que Inti es marca registrada hace más de 40 años y pese a que hoy el grupo está dividido en 2 (históricos y oficiales) son una de las bandas más importantes en toda la historia de la música popular chilena.
Los sonidos de Inti Illimani claramente están influenciados por el folclor latinoamericano y andino, sin embargo, su carrera no se quedó pegada en la época de la Unidad Popular (tiempo de su mayor auge), sino que evolucionaron como músicos. Todos los integrantes son grandes profesionales, multi-instrumentistas y de gran calidad, eso se refleja en el escenario en sus presentaciones en vivo.
Pertenecen al movimiento de la Nueva Canción Chilena y su nombre se compone del término "Inti", que significa "Sol" en quechua, e "Illimani" palabra aimara y nombre de la montaña homónima ubicada en la ciudad de La Paz, Bolivia.
No importa el color político que tengan, en este blog sólo se habla y destaca las cualidades musicales de "Los Elegidos", y los Inti claramente son Elegidos como grandes músicos. Tanto es así, que está por salir un disco tributo a los Inti con canciones grabadas por Los Bunkers, Los Tres, Kike Neira, Sinergia, Francisca Valenzuela y muchas bandas más.
Esta ha sido la formación más "Pro" de la banda, la mayoría sigue vigente:
Horacio Salinas (director del grupo), Jorge Coulón, Horacio Durán, José Seves, Marcelo Coulón, Efrén Viera, Daniel Cantillana y Fernando Julio (músico invitado).
Porteño de nacimiento, hippie de espíritu, vanguardista de corazón, gran músico de excelencia y exportación. Tanto así que vivió muchos años en Francia y en Argentina, sin contar las cientos de giras que hicieron por Sudamérica. El legado del Gato Alquinta sigue plasmado en la memoria de muchos chilenos y personas en todo el mundo que se identifican con su música y su manera de sentir la vida.
El Gato era de esas personas que se les inflaba el pecho por sus raíces y antepasados. Alguna vez dijo:“Yo quería tocar con la guitarra una música precolombina. Inventé nuevas escalas. Nunca hice un riff de rock, sí frases de quenas, tocaba la guitarra imaginando una tarka, en cuartas y quintas paralelas. Pensaba que cualquier chileno debe tener una memoria genética indígena, imaginar lo lindo que eran las comunidades antes de que las ensuciaran los españoles con la violencia, la ambición, el egoísmo, la propiedad privada. Taras de la sociedad europea.”
Protagonista de la banda más importante de Chile por más de 40 años, Eduardo Alquinta, debiera ser reconocido hijo ilustre en nuestra tierra, pero acá en Chile estamos acostumbrados a bajarle el perfil y desconocer a nuestros grandes ídolos, muy por el contrario como lo hacen en Argentina por ejemplo. Quizás éste sea uno de los motivos que explique porqué ellos han llegado a ser campeones del mundo y nosotros no.
Fue en 1963 cuando Gato formó junto a Mario Mutis y los Parra “The High&Bass”. Los inicios musicales fueron más cercanos a lo tropical y no encontraban su norte como banda, estaban acostumbrados a hacer covers de otras bandas. Esto fue hasta el año 1969, cuando llegó a la banda David Fass, un gringo amante del Blues y que tocaba muy bien la armónica. Fue éste personaje quien se acercó mucho al Gato y le hizo dar cuenta que el estilo musical tropical e inocente que interpreta la banda no se condice con sus propios ideales.
Un viaje de iniciación americanista de Alquinta junto con su mujer, Verónica, hace que se revitalice espiritualmente, presentando sus ideas de rompimiento de esquemas establecidos y realización de música propia a sus compañeros de grupo. Ellos acogen la idea de manera entusiasta, y la nueva etapa del grupo (ahora llamado Los Jaivas), aparece ilustrada en el set de CD's llamado La Vorágine, editado en 2004.
Con el tiempo, este proceso evolucionará en una fusión inédita entre el folclore y el rock, sello y lenguaje que caracterizaría a Los Jaivas hasta el día de hoy. Lograron identidad profundamente chilena y fueron reconocidos en Sudamérica como una tremenda banda, tanto así que los eligieron a ellos para grabar “Alturas del Machu Pichu”, una pieza de culto que ha sido cada vez más valorada y aplaudida a través de los años en todo el mundo.
Gato se mantuvo como vocalista de la banda hasta enero de 2003, fecha de su trágica muerte en una playa cercana a Coquimbo, producto de un paro cardiorrespiratorio. En sus funerales se manifestó el gran amor del pueblo chileno por Los Jaivas, asistiendo más de medio millón de personas a despedirlo en su capilla ardiente. Todo un record en Chile.
De seguro que hoy el Gato Alquinta pertenece a una gran banda junto otros mártires del Rock y el Folclore en otra parte de este Universo. Porque es, fue y será un gran chileno, hoy es Elegido para inaugurar el mes de Septiembre en este Blog a 5 años de su muerte.
Cuando un tipo es malo y no destaca, suele atribuírsele el calificativo de "es otro más", es una farsa que nos quieren meter a la fuerza por listas comerciales absurdas. Bueno la historia del Tote es todo lo opuesto a eso...
Resulta que en España hace un buen rato se viene dando una movida muy fuerte de hip hop identitario. El sello del rap propio del barrio y la ciudad en que vives relatados por Mc's. Son los nuevos juglares que ralatan cosas del diario vivir con rimas que invitan a la reflexión y el debate, acompañados de bases muy pegajosas hechas por Dj's.
Al comienzo el rap era sólo para negros anglosajones, hasta que apareció Cypress Hill que influenció a miles a rapear en español. Delinquent Habits, Gerardo, Control Machete, Vico-C, fueron algunos de ellos. Hasta que en 1985 Ruben DJ publicó su single "La Escuela" convirtiéndose en un éxito instantáneo a tal punto que el showman televisivo Wilfred Morales creó una parodia del tema llamado "Mi Abuela" (Wilfred y la Ganga), que superó la popularidad del original siendo éxito mundial. Escuchado incluso en muchos paises del caribe, sudamérica y España.
De los 90' en adelante España comenzó a tomar la delantera por el crecimiento de este movimiento en la madre patria. La lista es larga: Kase-O, Nash, SFDK, Shotta, Mala Rodríguez,Dogma Crew,Jesuly, El Jefe de la M,Juaninacka,Violadores del Verso y el Elegido de hoy Tote King, entre muchos otros.
Su verdadero nombre es Manuel González Rodríguez y es conocido en España como "el Rey del Desfase" o "Toterreno" por la facilidad que tiene para improvisar rapeando letras con contenido y con una gran velocidad. Sus raíces están en Sevilla, al igual que SFDK y la Mala Rodríguez.
Los inicios musicales de ToteKing están estrechamente relacionados al de "La Alta Escuela", grupo que fundó junto con Juaninacka, Gabri, Juanma y Dj Randy y el Tralla que formó parte de la formación, pero salió de ella antes de la salida del disco. Con esta formación editó su primera referencia profesional en 1999, en un disco novedoso y fresco titulado "En pie de vuelo", con colaboraciones de Zatu, La Mala y La Gota que Colma.
Su salto al estrellato lo logró con sus discos solistas "Matemáticas", "Música para Enfermos" y "Un Tipo Cualquiera", su último trabajo. Temas como"Devotos", "Mentiras", "Ni de ellos, ni de ellas" son claves para conocer a este moustro del rap. También se le puede conocer más a fondo en el documental "Sevilla City" de Juan José Ponce, que muestra el día a día de varios exponentes españoles, desmitificando la imagen que un gran porcentaje de la población tiene sobre el mundo del Hip Hop.
El papel que la tele ha jugado en el aletargamiento de la gente joven, en su pasividad ante temas de trascendencia como la política o la cultura es para el ToteKing una denuncia obligada. Aquí les va el video del tema "Mentiras".
Ahora si que se viene el estallido y el kilombo más grande de todos. Se viene la fiesta de la mejor banda de rock chabón argentino... La Bersuit Vergarabat!!
La última vez que estuvo en Santiago el pelao Cordera con su banda se disculpó con su público por el tiempo que había pasado sin venir a tocar a Chile y luego comparó el show a encontrarse con una ex novia: "primero te la coges y después la saludas y le preguntas como está". Estas palabras enloquecieron al público y todo comenzó con un nivel de espectáculo musical que no paró en más de 2 horas.
Ahora la Bersuit viene de nuevo con toda su magia, esta vez al Teatro Caupolicán el 16 de agosto, es decir , este sábado. El que no va, se la pierde. Vienen en su mejor momento a presentar "De ahí soy yo", su último álbum. Son más de 15 años arriba de los escenarios y traen una mochila con más de una docena de discos.
La Bersuit debe ser hoy por hoy la mejor banda de Rock Latino. Son años de pulirse como rockeros de calidad. Tienen esa mezcla tan Argentina de bailanta con Rolling Stones, que los convierten en consagrados y super Elegidos. Esta banda aún logra sorprender y de paso no deja a nadie sin mover el esqueleto.
Larga vida a BERSUIT!! Nos vemos en el Caupolicán!!
El sonido de Carlos Santana es único. Con tan sólo escuchar un par de acordes de su guitarra, sin necesidad de estar mirándolo, se le puede reconocer. Su ADN está compuesto de mucho Blues, Jazz y Rock Latino. Es un artista mundial pero jámas ha dejado sus raíces Aztecas y eso se plasma en el "Estilo Santana".
Nacido en Jalisco el año 1947 y con grandes influencias de su padre que tocaba el violín, Carlos decidió tomar una guitarra a los 8 años y no la soltó nunca más. Cuando tenía 18 años fue el telonero de Jimi Hendrix, donde por error agarró una guitarra y Hendrix le dijo que toque algo y al tocar un gran solo dejo a todos sorprendidos.
En 1966 fundó Santana Blues Band. Durante los siguientes dos años, el conjunto estaba envuelto por una honda de popularidad que les llevó desde las plataformas de Fillmore West en San Francisco a su estreno histórico en el Festival de Woodstock, el Sábado 16 de agosto de 1969 donde tocó junto a otros grandes como Hendrix, Joplin, Joe Cocker o The Who.
Durante las décadas de los 70 y 80 Santana se acercó a los sonidos de jazz fusión y más espirituales, período donde se le adoptó el nombre "Devadip", conferido por el líder espiritual Sri Chinmoy.
Desde 1976 en adelante estiró más instrumentalmente su estilo, pero incluía rock convencional y elementos de baile, una combinación que ha mantenido hasta estos años, donde ha seguido actuando.
Supernatural, un trabajo que realizó en 1999 ha sido su disco más exitoso. Logró platino 25 veces, fue el álbum de Santana de mayor venta, alcanzando número uno en la lista Billboard y manteniendo esa posición por 12 meses y ganando nueve Premios Grammy. El disco incluyó colaboraciones con Rob Thomas, Eric Clapton, Lauryn Hill, Wyclef Jean, Dave Matthews y Maná, entre otros.
Carlos Santana ha recibido innumerables premios de honor y reconocimiento mundial, ha sido votado un par de veces como el mejor guitarrista de Rock-Pop, hoy en día las ventas de Santana superan los 50 millones de discos. Este pinche wey tiene motivos de sobra para ser un Elegido mundial. Porque ya quedó en la historia de la música popular con un sello propio y todo el mundo puede hablar hoy del estilo "Santana".
Uno de sus mejores temas: Soul Sacrifice en Woodstock 1969.
He aquí a una de las leyendas más grandes de la historia de la música popular y el Rock&Roll. Un gigante que pavimentó un camino en el Rock Clásico. Un poeta, un pacificador, un filósofo, un creador, un soñador.
Lennon es un gran Elegido y tengo el orgullo de incluirlo por haber marcado a muchas generacines, por haber sido el líder y formador de la mejor banda de la historia, Los Beatles. Fue John quien dejó a "The Quarrymen", su primera banda para formar el cuarteto más conocido de Liverpool a fines de los años 50.
La historia cuenta, en resumen, que fue Lennon quien invitó a Paul McCartney a tocar y este último invitó a George Harrison. Más tarde aparecería Ringo para reemplazar a Pete Best en batería.
El final de Los Beatles y de Lennon todo el mundo lo conoce y no es mi interés destacar algo que fue negativo y doloroso para todos los que amamos la música, en especial la del gran maestro inglés.
Este es mi homenaje a un año exacto en que fue creado este blog dedicado a la música de calidad y que mejor que festejarlo con uno de los más grandes, si es que no es el más grande de todos. Sólo palabras de elogio y gratitud a ti, John Wiston Lennon.
Un videíto de regalo a toda la fanaticada Beatles y a los melómanos de corazón. Tocando en vivo "Instant Karma".
Si señoras y señores, llegó la fecha esperada. Por fin tendremos de vuelta los ritmos de Los Fabulosos Cadillacs. En gloria y majestad vuelven a sonar en vivo nada menos que los miembros fundadores. Vicentico, que llega en su mejor minuto musical y su banda, con quien la rompía en los 90' con temazos como "Yo te avise", "Matador", "El satánico doctor Cadillacs" o "Mal Bicho".
Ya se vive el furor del regreso de LFC!!
La banda de rock latino argentina más importante de los 90' lo venía anunciando de hace un buen tiempo y los seguidores esperaban con ansias ésta fiesta. Al parecer valdrá la pena la espera ya que los Cadillacs prometen un retorno Fabuloso.
Según informó el sitio de la revista "Rolling Stone Argentina", Los Fabulosos Cadillacs se presentarán por primera vez juntos desde su separación. Luego publicarán un disco con temas clásicos y nuevos de la banda, con el que saldrán de gira por toda América Latina, España y Estados Unidos.
El grupo está integrado por por los mismos viejos estandartes: Gabriel Julio Fernández Capello (Vicentico), Flavio Oscar Cianciarulo, Fernando Gabriel Ricciardi, Gerardo Simón Rotblat, Ariel Gustavo Sanzo, Fernando Albareda y Daniel Hugo Lozano.
Los Fabulosos Cadillacs fue formada en 1985 por un grupo de amigos. En sus orígenes cultivaron el ska, un ritmo jamaiquino, y estuvieron fuertemente influenciados por bandas como Madness y The Specials.
Su primer disco fue "Bares y fondas", seguido por "Yo te avisé", con el que lograron gran popularidad. Luego les siguieron varias obras más, con las que ampliaron su fama a América Latina y España, como "Vasos Vacíos", "Rey Azúcar" y "Fabulosos Calaveras", hasta su separación en 2002.
Ahora están de vuelta y en Chile tienen miles de fanáticos que esperan el recital en Santiago, que aún no tiene recinto definido para que toquen, pero que de seguro pondrán toda la euforia en el público con sus temazos.
*Más información sobre el regreso de los montruos del Rock Latino en el grupo de facebook "No me pierdo el recital de regreso de Los Fablosos Cadillacs" , creado por José Manuel Quezada (Joso pa los amigos), otro personaje que raya al máximo con la buena música.
Ya se escucha: Los Cadillacs tocando para vos... Los Cadillacs tocando para vos...
Este capítulo, por así llamarlo, está dedicado al Reggae!! Obviamente involucra a sus géneros progenitores y herederos. Agradables ritmos con raíces africanas, que pueden deleitar desde los más piola hasta los más gozadores. La cultura Rastafari, los colores verde, amarillo y rojo, y los sonidos de Jamaica con sabor a ganya.
El Reggae nace en Jamaica a mediados de los años 60. Se puede decir que sus padres son el Rocksteady, el Ska y el Cailpso, música tradicional de África, y su abuelo el Rhythm&Blues (abuelo de muchísimos ritmos más, pero este es una de sus ramas.)
A su vez, el reggae incluye dos sub-géneros: el roots reggae y el dancehall. También se le atribuye el dub y el raggamuffin o ragga. Incluso algunos le atribuyen como descendencia el reggaetón, aunque no es un hijo totalmente reconocido, pero que por su nombre es lógico. Es como el típico hijo perdido o rebelde que a la familia le cuesta integrar o reconocer, pero que es hijo al fin y al cabo.
Sin embargo, el reggae tiene sus propios códigos. El género en si mismo se basa en un estilo rítmico caracterizado por cortes regulares sobre una música de fondo tocada por la batería rítmica, conocida como "Beat", y la batería, que se toca en el tercer tiempo de cada compás. Este ritmo es más lento que el de otros estilos precursores del reggae como el ska y el rocksteady.
La música reggae frecuentemente toca temáticas de tipo social, además de políticas o religiosas. Este compromiso que adopta en ocasiones el reggae permite enlazarlo con otros estilos como la canción de autor o el punk. Los temas recurrentes en las letras raggae son la pobreza, la resistencia a la opresión del gobierno y la mención a la ganja o marihuana.
Asimismo se lo asocia erróneamente con el movimiento rastafari, ya que muchos elementos de este movimiento fueron tomados e incorporados a su música por prominentes músicos de reggae en los años 70 y 80. Este género musical nunca formó parte del orden ceremonial de la iglesia rastafari, y sus sacerdotes son muy claros al diferenciar el reggae de la música rastafari. Ellos señalan que el reggae es parte de la cultura jamaiquina y que la cultura rastafari es la cultura etiope africana y su música el Nyahbinghi.
Indudablemente, el referente máximo del reggae es el gran Bob Marley, quien esparció mundialmente este contagioso ritmo por todos los rincones del planeta. Pero ojo, no es el único, la lista puede ser extensa, pero lo vamos a resumir en los siguientes elegidos imperdibles:
Peter Tosh, Jimmy Cliff, Stell Pulse, Black Uhuru, y los que podrían ser más conocidos en Chile: Inner Circle, Matisyahu, Shaggy, Morodo, Zona Ganjah, Los Pericos, Gondwana y por supuesto Bob Marley y sus hijos a quienes tiene como sucesores naturales de su raggae, Ziggy, Stephen y Damian “Junior Gong” Marley.
Este último se caracteriza por tener el timbre muy parecido a su padre y aunque su especialidad es el raggamuffin, tiene unos “TEMAZOS” que merecerá un capítulo aparte en este blog. Aquí los dejo con una joyita “Welcome to Jamrock” y disfruten del sagrado reggae.
John Lennon (THE BEATLES) George Harrison (THE BEATLES) Jim Morrison (THE DOORS) Sid Barret (PINK FLOYD) John Bonham (LED ZEPPELIN) Frank Zappa (THE MOTHERS OF INVENTION) Kurt Cobain (NIRVANA) Jimi Hendrix (BAND OF GYPSYS) Bon Scott (AC/DC) Janis Joplin (BIG BROTHER AND THE HOLDING COMPANY) Bob Marley (THE WAILERS) Sid Vicious (SEX PISTOLS) Elvis Presley (ELVIS) Freddy Mercury (QUEEN) Keith Moon (THE WHO) Stevie Ray Vaughan (SRV & DOUBLE TROUBLE) Luca Prodan (SUMO) Gato Alquinta (LOS JAIVAS)
La lista podría ser más larga, pero quise destacar a estos 18 personajes, quienes han mortalizado la música gracias a lo que alcanzaron a hacer en vida. Eternos agradecimientos a todos los mártires del Rock!!
Por alguna u otra razón todos estos músicos marcaron para siempre la historia del Rock y hoy son Leyenda.
Indepediente de como haya sido su muerte, los mártires del Rock hoy tienen un reconocimiento y son homenajeados en el blog de Los Elegidos.
¡¡Cuanta música deben estar haciendo en el más allá!! Uff... Ya sabemos que el día que nos toque partir, buena música no nos va a faltar!! Yeah!!
PD: Si olvidé a un gigante del rock (que haya muerto obviamente) y que no aparezca en la lista, apórtalo en el comentario. Thank.
Dentro de la galería de Los Elegidos, había hablado de guitarristas, tecladistas, cantantes, incluso bajistas pero no había destacado ningún baterista. Bueno aquí tienen al mejor, Mike Portnoy. Es principalmente conocido por su trabajo en la banda de rock y metal progresivo Dream Theater. Su verdadero nombre es Michael Stephen Portnoy y dentro de los virtuosos es un winner.
Portnoy ha ganado 23 premios de la revista "Modern Drummer", incluyendo "Mejor Grabación" ( 5 veces) y "Mejor Baterista de Rock Progresivo" ( 10 veces seguidas ).Es también considerado por muchos expertos como el mejor baterista en la actualidad y en los últimos años.
Él también ha estado fundando algunas otras bandas de rock progresivo como: Transatlantic, Liquid Tension Experiment, y O.S.I. Asimismo a participado en bandas tributos a Led Zeppelin y The Beatles con Hammer of the Gods y Yellow Matter Custard respectivamente.
Como batero de Dream Theatre a versionado álbumes completos en vivo de bandas que admiran. Lo han hecho con “Dark Side of the Moon”, de Pink Floyd, “The Number of the Beast” de Iron Maiden y “Made in Japan” de Deep Purple.
Portnoy ha dicho también que tiene uno o más conciertos de álbumes versionados planeados, pero se niega a revelar cuando ocurrirán, o que álbum será intepretado. Hay mucho debate en los círculos de fans de Dream Theater con respecto a cual álbum será intepretado, e incluso sobre en cual género caerá ese álbum.
Inicios de Mike y El Teatro de los Sueños Dream Theater es una banda de Rock&Metal Progresivo. Se formó en 1985, con el nombre de “Majesty”, por John Petrucci, John Ro Myung, y Mike Portnoy, mientras asistían a la Universidad de Música Berklee de Boston. Otros varios integrantes los acompañaron, hasta llegar a la formación actual: LaBrie y Rudess que acompañan hoy a los tres integrantes fundadores.
Lo más atrayente de la banda es la habilidad técnica de los músicos que la integran, los cuales han ganado ya muchos premios en varias revistas de lecciones de música. Han colaborado con muchos otros músicos notables. El guitarrista John Petrucci fue nombrado como el tercer mejor guitarrista 6 veces en la gira G3, con Steve Vai y Joe Satriani, más que cualquier otro guitarrista invitado, siguiéndole los pasos a Eric Johnson, Robert Fripp, y Yngwie Malmsteen.
Mike Portnoy nace el 20 de abril de 1967 en Long Beach, Nueva York. Aquí inicia su camino por la música, donde su padre juega un importante papel: “Mi padre era un Rock n’ Roll DJ, por lo que siempre estuve rodeado de música. Tenía una gigantesca colección de discos. Cuando era pequeño me gustaban mucho los Beatles, luego fue Kiss. Era inevitable que me convirtiera en músico”.
Aunque aprendió por sí mismo a tocar batería, recibió clases teóricas en una escuela de estudios superiores. Durante esta época, comenzó a tocar en bandas locales como Intruder, Rising Power y Inner Sanctum, la última lanzó su propio álbum. Dice haber tenido como mayor influencia a Neil Peart, baterista de Rush.
Portnoy ha co-producido junto a John Petrucci los últimos cinco álbumes de Dream Theater, comenzando por Metropolis y lleva 23 años junto a la poderosa banda de norteamérica.
Este virtuoso baterista "Elegido", es un homenaje para todos los grandes bateros y que han sido influencia para Portnoy, como: Terry Bozzio (baterista de Frank Zappa experto en Jazz y Rock),Vinnie Colaiuta (Quien trabajó también con Zappa y Megadeth, su fuerte es el Rock, Funk y Jazz),Simon Phillips (baterista de Toto, reconocido como uno legendarios bateristas ingleses. También trabajó con The Who y Judas Priest entre otros), John Bonham (baterista de Led Zeppelin, una de las mejores bandas de todos los tiempos), Ringo Starr(Eximio baterista de los Beatles).
Junto a ellos el reconocimiento a otros "drummers" que me gustaría agregar como: Don Brewer (Grand Funk), Ian Paice (Deep Purple), Bill Bruford (Yes, King Crimson, Genesis), Nick Mason (Pink Floyd), Carl Palmer (Emerson, Lake & Palmer), Gabriel Parra (batería de Los Jaivas, lo mejor de Sudamérica) y a todos los bateristas que hacen de su instrumento un protagonista en cada concierto y hacen volar la cabeza a sus fans.
Para finalizar este especial de batería una muestra del gran Mike Portnoy que desde hoy se agrega a esta lista de Elegidos. Para los que no conozcan su talento aquí les dejo una muestra, un botón con todo su derroche de maestría:
Antes de comenzar a hablar sobre uno de los bluseros más respetados y admirados de todos los tiempos, debo decir brevemente para quienes desconocen este género, que el Blues es un estilo musical que nació hace aproximadamente 100 años, de origen afromericano llevado por los esclavos africanos al sur de Estados Unidos, especialmente al delta del río Mississippi. Después de 50 años tuvo un hijo, al que llamó Rock and Roll.
Los primeros blues, con frecuencia, tomaban la forma de una narración la cual solía transmitir mediante la voz del cantante sus penas personales en un mundo de cruda realidad. En este contexto nace Robert Johnson el 8 de mayo de 1911 en Mississippi, Estados Unidos. Si estuviera vivo este jueves cumpliría 97 años.
Johnson es considerado como el "El Abuelo del Rock-and-Roll", su locución, la originalidad de sus canciones y su estilo de tocar la guitarra ha influido a una gran gama de músicos incluyendo a John Fogerty, Bob Dylan, Johnny Winter, Jimi Hendrix, The Yardbirds, Led Zeppelin, The Allman Brothers Band, The Rolling Stones, Paul Butterfield, The White Stripes, The Black Keys, The Band, Neil Young, Warren Zevon, Jeff Beck, y Eric Clapton, quien lo llama "El más importante músico de Blues que haya vivido". Ocupó el 5º puesto en la lista de "Los 100 más grandes guitarristas de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone. Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1986 en la categoría de "Early Influence".
Cuenta una conocida leyenda que Robert Johnson vendió su alma al diablo en el cruce de la autopista 61 con la 49 en Clarksdale (Mississippi), a cambio de interpretar el blues mejor que nadie.
Su Legado Puede considerarse a Robert Johnson, junto a Blind Willie Johnson, como el gran maestro de la guitarra slide. En sus letras se pueden encontrar tres marcadas constantes: lo efímero de las relaciones humanas, el vagabundeo incesante y los terrores irracionales.
En sus canciones emerge un universo personal de expresión y creatividad, no la mera reiteración de clichés tradicionales. Su inimitable estilo vocal, lleno de escalofriantes falsetes, su generoso sentido de la libertad interpretativa han hecho de él una isla aparte en la historia del blues.
A través de Muddy Waters y los intérpretes británicos de blues de los años sesenta (John Mayall, Eric Clapton, Peter Green, Rolling Stones, etc.) su influencia es notabilísima en el rock. La explícita Lemon song de los Led Zeppelin no es más que una recreación plagiaría de una de las estrofas de "Me and the devil blues". Eric Clapton ha dedicado recientemente un álbum entero (Me and Mr. Johnson) (el Sr. Johnson y yo) a versionar el repertorio de Robert Johnson.
Se puede decir que Robert Johnson es un viejo crack de la música popular y su legado debería ser mucho más difundido sobre todo a las nuevas generaciones amantes del Rock y los amantes de la buena música en general. Feliz Cumpleaños Maestro!!
Charly García es una eminencia del rock en este lado del continente. Es uno de los pioneros del rock en español en América Latina y por lo tanto una leyenda viviente que no deja de reinventarse. Aquí va la historia de este "Don Elegido"…
Carlos Alberto García Lange nació en la mitad del siglo XX y lleva más de 3 décadas haciendo música. Lo más seguro es que este flaco con bigote bicolor muera componiendo melodías o arriba del escenario. Charly es un eterno rebelde y soñador. Es parte de la columna vertebral del Rock Argentino.
Ha formado 4 tremendas bandas desde 1972 a lo largo de su carrera: Sui Generis, La Máquina de hacer Pájaros, Serú Girán y la más desconocida, una banda a la que llamó “Las Ligas”, en la que formó parte Andrés Calamaro en teclados, a mediados de los años 80s’.
Paralelamente Charly ya había sacado discos como solista, los cuales hasta la fecha suma más de 30. Todo un super records como compositor. Su último disco fue editado el año pasado al que llamó “Kill Gil”, haciendo alución a la película de Tarantino.
La vida de Charly García ha tenido algunos tropiezos: ha estado internado por adicción a las drogas y ha protagonizado varios escándalos dentro y fuera del escenario (se ha bajado los pantalones en público, ha abandonando recitales en la mitad y hasta se arrojó a una piscina desde lo alto de un edificio, en el noveno piso).
"Alguna gente me dice que soy inmaduro y hasta infantil, pero uno de mis grandes logros en la vida es no haber alterado las cosas básicas; me sigue gustando lo mismo: la inocencia en todas sus manifestaciones, musicales, amorosas, inteligentes. Y el rollo de John Lennon, el tener todavía la capacidad de imaginarse algo".
Adicto a la música En el lugar donde vive, Charly construyó "su" mundo. Las paredes están cubiertas de grafitti y posters de los Beatles y los Rolling Stones. Hay equipos por doquier, partituras desperdigadas, cuadernos con anotaciones.
"En un día común tengo la dedicación que puede tener un bailarín con su trabajo: estar todo el día. La música es una parte esencial de mí. Si se hace una mala comparación se puede decir que es una adicción".
En Charly, esa unión inseparable de vida y música tiene, entre sus varias explicaciones, el hecho de que el músico argentino posee oído absoluto.
"Los himnos y las marchas de guerra están en Si bemol, porque Si bemol es la clave de los metales. Si uno lo asocia, por ejemplo, con las fábricas, la guerra, Hitler, puede hacer una teoría de que el Si Bemol te pone nervioso o te provoca algo agresivo que, por ejemplo, el Do no".
Padre del Rock Latino Digan lo que digan de Charly García está considerado junto al flaco Spinetta como uno de los padres del Rock Latino. Sobre Sui Generis y sus otras bandas serán publicadas en este blog, cada una de ellas en su debido momento, ya que son parte fundamental de nuestro Rock.
Charly ¿Loco o Genio? Mister "Say No More".
Para finalizar un bocadillo, un tremendo tema compuesto junto a otro maestro: Pedro Aznar. La canción lleva por título "Tu amor" y es del disco Tango 4. Este tema contiene la mezcla perfecta entre letra y música, dense el tiempo de oírla.
Jamiroquai no ha muerto musicalmente, NO SEÑOR!!. Las malas lenguas han vociferado su desaparición y a larga eso se transforma malamente en mito urbano. Al parecer lo tendremos de vuelta antes de lo esperado y ojala con una visita por Chile también. La última noticia que se supo sobre él apareció el 20 de enero de este año, la cual aseguraba que estaba grabando un nuevo disco. Sin duda es uno de los regresos más esperados.
Jamiroquai es una leyenda viviente, un tipo que entiende la música como un todo. Tiene tras él una banda con músicos de excelentísima calidad, con los cuales logra sonidos envolventes, que invitan a volar con los pies en la tierra. Tremendo!!
Este gigante de la música se divorció de su antiguo sello Sony, con el cual tuvo una fuerte pelea que hoy ya es pasado. En todo este tiempo ha permanecido en receso, un poco descansando y también creando para luego lanzarse nuevamente en potencia.
Jamiroquai es uno de los principales grupos de referencia en el panorama Funk internacional, a la cabeza del movimiento Acid Jazz. Jay Kay su lider y vocalista quien aparece en la imagen, ha sido por largos años uno de los cantantes más solicitados en conciertos ya que convierte sus actuaciones en directo en verdaderos "shows" para los espectadores. Su música es para deleitar hasta los oídos más exigentes.
Desde 1993 la banda funk inglesa Jamiroquai ha realizado 6 álbumes de estudio, 60 álbumes en vivo, 5 recopilaciones, 3 discos de remixes y 2 DVD. Un total de 50 álbumes y 52 contando los DVDs. Posee 5 discos de platino, y 2 de oro, siendo el mas galardonado Travelling without Moving. Jamiroquai posee más de 31 millones de discos de estudio vendidos alrededor del mundo. Jamiroquai posee cinco puestos numero 1 en lista de ventas en Reino Unido, dos puestos numero 2 . En sus sencillos tiene 5 puestos numero 1 en los U.s Dance y un puesto numero 1 un en los Uk Singles. Motivo suficiente para ser un tremendo “Elegido” de la música universal.
Álbumes de estudio • 1. Emergency on Planet Earth (1993) • 2. The Return of the Space Cowboy (1994) • 3. Travelling without Moving (1996) • 4. Synkronized (1999) • 5. A Funk Odyssey (2001) • 6. Dynamite (2005)
DVD de la banda • 1. Live In Verona (2002) • 2. High Times: Singles 1992-2006 (DVD) (2006) • 3. Jamiroquai - Live at Montreux 2003 (2007)
Woodstock ha sido de los mejores festivales de música y arte de la historia, si es que no es el mejor. Congregó a más de 1.000.000 de espectadores, muchísimo más de los que esperaba la organización. Tuvo lugar en una granja de Bethel, Nueva York, los días 15, 16 y 17 de agosto de 1969.
Woodstock se convirtió en el ícono de una generación de norteamericanos hastiada de las guerras y que pregonaba la paz y el amor como forma de vida y mostraban su rechazo al sistema, por lo tanto, gran parte de la gente que concurrió a dicho festival era hippie(realmente ellos no se designan así, sino que así fue como los denominaba la gente).Este festival fue un movimiento que se desarrolló en los Estados Unidos durante la década de los 60, en la cual los que concurrían llevaban melena y amuletos, las chicas faldas de colores; sus símbolos eran la bandera del arco iris, y el llamado símbolo de la paz.
Durante el festival se vivieron intensas noches de sexo y drogas, destacando el consumo de LSD y Marihuana; todo esto aderezado con música rock. Aunque inicialmente el concierto se organizó pensando que conllevaría pérdidas para la organización, el éxito del documental sobre el evento hizo que finalmente resultara un acto rentable. Posteriormente se celebrarían otros festivales de Woodstock: 1979, 1989, 1994 y 1999, pero el de 1969 es el Woodstock por antonomasia.
Cosas locas que pasaron… Ocurrieron tres muertes en el festival de Woodstock: una debida a una sobredosis de heroína, otra tras una ruptura de apéndice y una última por un accidente con un tractor. También ocurrieron dos nacimientos no confirmados en el festival. Se realizó un famoso documental sobre este concierto, dirigido por Michael Wadleigh y montado por Martin Scorsese.
Los artistas que más destacaron durante el magno festival Jimi Hendrix, Janis Joplin, Carlos Santana, Joe Cocker, Ravi Shankar, Joan Baez, The Who, Ten Year After, Creedence Clearwater Revival, Jefferson Airplane, Johnny Winter.
*Aquí una de las escenas más recordadas del gran Festival de Woodstock. Único e irrepetible. El gran Joe Cocker con su característico timbre de voz interpretando de forma magistral el tema de Los Beatles "With a little help from my friends".
Tengo el agrado de incluir a este 'Dinosaurio del Folk-Rock' en la galería de "Los Elegidos". Simplemente porque es un tremendo referente musical desde hace 5 décadas para muchos músicos y aún sigue tocando y haciendo giras mundiales. Quizás este argumento sea el más válido para hacerle un reconocimiento a uno de los compositores y músicos más influyentes y prolíficos del siglo XX. Pero hay mucho más...
Resulta increíble saber que a los 67 años de edad este hombre siga teniendo presentaciones en vivo, cuando podría estar en su casa disfrutando de sus nietos y contándole sus peripecias como músico en su juventud. Sin embargo, Dylan es un hombre que prefiere vivir el presente al máximo y hacer lo que más le gusta mientras su cuerpo y mente le aguanten,¡¡Música!!. Eso ya es tremendamente admirable. Acá en Chile lo tendremos el día 11 de marzo en el Arena Santiago cantando viejos clásicos como "Blowin' in the Wind" y "The Times They Are a-Changin'", que se convirtieron en verdaderos himnos antibélicos en la época de los movimientos civiles de los años 60'.
En los presentes años, Dylan ha sido reconocido y honrado por sus composiciones, interpretaciones, y grabaciones. Sus discos le han ameritado Grammys, Globos de Oro, y premios de la Academia, y ha sido incluído en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Su más reciente disco de estudio, "Modern Times", lanzado el 29 de agosto de 2006, debutó en las listas estadounidenses en el #1, convirtiéndolo, a los 65 años de edad, en la persona de mayor edad en alcanzar esta posición.
Algo de su Historia Su verdadero nombre es Robert Allen Zimmermann. Nació en Duluth, Minnesota (Estados Unidos) en 1941, en el seno de una modesta familia de comerciantes judíos, con los que se trasladó cuando era muy pequeño para establecerse en una aldea de la frontera con Canadá. Será allí, en un ambiente tedioso y muy influido por el trabajo de las minas, donde empezará a estudiar música (piano, guitarra) y a escribir sus primeros poemas. Algunas biografías atribuyen al joven Bob una gran precocidad, pues a los 11 años ya toca con soltura la armónica y escribe sus primeras canciones. A los 16 años había formado su primera banda, Golden Chords. En 1960 se traslada a Minneapolis para estudiar letras y al año siguiente abandona las aulas para frecuentar la bohemia de la ciudad y actuar en público con su nuevo nombre, Bob Dylan, adoptado en homenaje al poeta galés Dylan Thomas.
Deslumbrado por la personalidad del poeta y cantante folk Woody Guthrie, compone un tema que adquirirá fama, "Song to Guthrie", y que caracteriza sus comienzos artísticos. Bob Dylan es un joven comprometido en la lucha contra la injusticia y quiere seguir la senda que, desde esta perspectiva, han trazado algunos poetas y cantantes como Pete Seeger o Jack Elliot y sus ídolos malditos : Rimbaud, Eliot o Brecht. Al año siguiente Dylan se traslada a Nueva York y, empujado de sus querencias bohemias, frecuenta el Greenwich Village, donde trabará relación con diversos artistas del mundo del folk y del blues y, siguiendo su estímulo, comienza a cantar en algunos programas en directo, lo que le llevará a grabar su primer disco, Bob Dylan, que supone un fracaso comercial. A este trabajo seguirán en 1963 los álbumes The Freewhelin´Bob Dylan y The Times They Are A-Changin, que le consagran como uno de los representantes más destacados de la nueva ola de compositores de canción protesta. Dylan colabora con algunas de las organizaciones que defienden los derechos cívicos y se oponen al belicismo que su país mantiene en política exterior, así como a las desigualdades sociales que impregnan de pobreza grandes capas de la sociedad americana.
Su lenguaje deslumbra por su carácter renovador, discurriendo entre la modernura de la parodia y la profundidad de la metáfora, lo que le aporta un aura casi profética. Cuando por esos años Dylan proclama, ante la decepción de los sectores juveniles, que "la respuesta está en el viento", su mensaje radicalmente pacifista conquista a multitud de adeptos que ven en él una representación de la esperanza. Es en esos años precisamente que sus temas escalan las listas comerciales de Estados Unidos y Reino Unido, y poco a poco comienza a ser reconocido en el resto del mundo.
Cosas que se han dicho sobre Dylan >"Sin Bob, los Beatles no habrían hecho el Seargent Pepper, los Sex Pistols no habrían hecho "God Save the Queen" y U2 no habría hecho "Pride in the Name of Love" (Bruce Springsteen). >"Bob suena como si sus canciones tuvieran 300 años pero hubieran sido escritas ayer. Lo más importante de Dylan es la poesía que hay en sus canciones, que trascienden su propia música" (Martin Scorsese). >"Bob era un príncipe. Aún le veo como el poeta más grande de nuestra época". (Roy Orbison). >"No hace falta oír lo que dice Bob Dylan, lo importante es cómo lo dice".(John Lennon). >"Cuando lo descubrí fue un deslumbramiento asombroso. Me gusta el caos, no la disciplina, y él era el profeta del caos... Él empezó a hablar de otras cosas, metió la literatura en el rock. Me ha alimentado y me sigue alimentando" (Joaquín Sabina). >"Sin él ni se entiende la música, ni los últimos 50 años". (Joan Manuel Serrat). >"Bob Dylan es uno de esos personajes que sólo aparecen una vez cada 300 ó 400 años" (Leonard Cohen). >"Tres versos de Bob Dylan justifican cualquier galardón, incluso el Nobel de Literatura". (Nicanor Parra)
Son miles de cosas que se han dicho sobre este monstruo de la poesía y la música. Una de las que ha causado más repercusión es que cuando conoció a Los Beatles por primera vez en 1964. Se cuenta que los introdujo a fumar marihuana, lo que a la larga influyó en su carrera musical, su interés por el Maharaji de la India e influyó también en muchos de sus temas desde el disco Robber Soul. Los mismos integrantes de Los Beatles lo reconocen en su Antología como algo positivo.
Aquí les dejo un simpático video que está en inglés, pero que parodia magistralmente ese momento en un dibujo animado:
Musicalmente hablando es lo mejor que he visto en vivo. El recital es realmente de mucha calidad. Un combo 3 impresionante, Journey, Peter Frampton y Earth, Wind & Fire. Un reconocimiento al Rock de los años 70' y parte de los 80'. Simplemente genial!!.
Lo mejor de todo es que si bien no tienen éxitos nuevos, los antiguos clásicos suenan igual y eso la gente lo agradeció eufóricamente, disfrutando cada uno de los temas. Músicos de verdad, de primer nivel, con trayectoria, de lujo.
El concierto lo abrió Peter Frampton, un rockero de aquellos tiempos en que estaban los mejores y él se hacía notar con su guitarra y su famosa manguerita que lo acompaña en temas como "Show me the way". Rock puro, limpio, impecable, nada que envidiarle a Eric Clapton. Su punto más alto fue cuando tocó su clásico "Baby, I love your way",(es el tema que suena de fondo). La gente lo ovacionó. Sólido.
Luego salió el grupo más esperado de la noche, Journey. La multitud estaba ansiosa por vibrar en vivo con su banda de la juventud. La mayoría del público rondaba entre los 35 a 45 años, pero habían bastantes jóvenes y adolescentes que coreaban las canciones por recuerdos de su niñez o porque sus padres le enseñaron estas canciones desde pequeños.
La llegada del Filipino, Arnel Pineda de 40 años y que fue reclutado vía internet para unirse al grupo de EE.UU. fue un gran acierto. Con Pineda, que tiene un timbre increíblemente parecido al de Steve Perry (antiguo vocalista) Journey revivió. Tiene una calidad vocal impresionante y una energía que ya se la querría cualquier rockero de las bandas modernas. El clímax de Journey fue en los temas "Light" y "Open arms". La gente se emocionó con estos temas, al borde de las lágrimas los más fanáticos.
Finalmente, cerró el show Earth, Wind & Fire con una puesta en escena extraordinaria. El escenario lo adornaron al estilo de ellos, el mejor Funk de los 70'. Su música no podía dejar indeferente a nadie, alucinante. A mi parecer lo mejor de esa noche, sabiendo que lo que había visto y escuchado antes había dejado la vara demasiado alta. Es que la música de Earth, Wind & Fire es fuera de series, el Funk de la vieja escuela, mucho estilo. La combinación de los instrumentos con las voces, música negra de la mejor, nectar puro, un espectáculo completísimo. La gente se prendió con ellos, pese a que tuvieron que esperarlos más de 4 horas, fue una inyección de energía para rematar el show. No tuvieron un punto alto en particular, toda su presentación mantuvo a la gente arriba de los asientos bailando y gozando.
Peter Frampton, Earth, Wind & Fire y Journey, el increible combo 3. Sin duda, mi mejor recital en cuanto a calidad musical. Congratulation...!!
Aquí un videíto de ese día de Rock setentero con algo de Journey...
En 1987 Gustavo Cordera cursaba las últimas materias de la carrera de Comunicación Social y tenía una agencia de autos. Viajó de vacaciones al carnaval en Brasil y, según se cuenta, ya no fue el mismo. Cuando regresó a su Lanús natal se peló, vendió su agencia y abandonó los estudios para fundar la Bersuit...
Actualmente Bersuit es uno de los mejores grupos argentinos vigentes, si es que no es el mejor. Rockeros por esencia, que unieron géneros musicales con ritmos latinoamericanos -como la cumbia, el cuarteto, la chacarera, la murga, la milonga o el candombe-, lo que los hace tener un sonido con mucha identidad latina.
En 1988 la banda quedó como un quinteto, formado por Gustavo Cordera (voz), Carlos Martín (batería), Pepe Céspedes (Bajo), Juan Subirá (Teclados) y Charly Bianco (Guitarra). El nombre de Bersuit Vergarabat fue adoptado recién en 1989. Hasta ese momento eran conocidos como "Henry y la palangana".
Después vinieron todas las seguidillas de shows sold out en los Luna Park y la confirmación de que la Bersuit Vergarabat es una de las bandas más importantes en la escena del Rock Argentino al alcanzar el triple platino por las más de 150 mil copias vendidas del disco en vivo “De la cabeza con Bersuit”.
Están fuertemente vinculados al productor Gustavo Santaolalla, uno de los grandes del rock en español o latino, con quien trabajan desde el LP Libertinaje. También han trabajado junto a otro grande como Andrés Calamaro, quien ha colaborado en la producción de algunos discos de la banda.
Cabe destacar que, gracias al doble CD titulado "La argentinidad al palo", la banda recibió el respetado Premio Gardel de Oro 2005, así como otra estatuilla por Mejor Álbum.
Por eso y muchas cosas más, la Bersuit se condecora como “Elegidos” oficiales en este blog!! De fondo si ponen atención va a sonar mientras leen este artículo los temas: “La milonga me gusta de verdad” y “El tiempo no para”.
Discografía Y Punto, 1992 Asquerosa alegría, 1993 Don Leopardo, 1996 Libertinaje, 1998 Hijos del culo, 2000 De la cabeza con Bersuit, 2002 La argentinidad al palo (Lo que se es), 2004 La argentinidad al palo (Se es), 2004 Testosterona, 2005 Bersuit, 2007
Da lo mismo la edad que tengan, la gente quiere verlos en vivo. ¿Por qué? Simplemente porque son una de las mejores bandas de todos los tiempos indiscutiblemente.
Son grandes "Elegidos" de la música popular. Ganaron en la encuesta realizada en este blog del recital más esperado, ganándole a otros grandes como Deep Purple, Iron Maiden o Peter Framton. Por eso están acá los inmortales Zeppelin, porque son un clásico de todos los tiempos.
Este es un pequeño homenaje para Robert Plant y su banda. Para que se animen a ser la gira mundial y millones de personas tengan el placer de verlos en vivo. Más adelante escribiré extendidamente sobre ellos. Por ahora les dejo este videíto con el tema "Kashmir".
Saludos a toda la comunidad melómana de Chile y sus alrededores. Disfruten febrero!!
Bastaron tan solo tres días con la presencia de Goran Bregovic en Chile para que se desatara una explosión de música y baile gitano como nunca se ha vivido en nuestro país. Fue un verdadero torbellino de música alegre traída desde muy lejos.
Es que simplemente es el mejor en su género!! El padre del estilo llamado Klezmer. Música europea, principalmente de Bulgaria y Rumania,(donde hay más gitanos) aunque él es nacido en Los Balcanes, más precisamente en Sarajevo, Bosnia-Herzegovina (ex Yugoslavia).
Bregovic, que mezcla folklore, con rock y música gitana, es conocido mundialmente por haber musicalizado las películas del cineasta Emir Kusturika “Underground” y “Tiempo de Gitanos”.
El fenómeno Goran subió al escenario con la “Wedding and Funeral Orchestra” (Orquesta para Bodas y Funerales), conjunto compuesto por más de 40 personas: ocho músicos gitanos que tocaron instrumentos de viento, un coro de tres mujeres vestidas a la usanza de Los Balcanes, trece cuerdas, quince integrantes de coro clásico y un cantante que hizo la segunda voz y percusión.
En total fueron 3 presentaciones en Chile, todas absolutamente masivas y gratuitas ya que Goran fue invitado por “Santiago a Mil”, que sin duda ha sido el mejor espectáculo veraniego desde que empezó este festival.
Su primera aparición la hizo el viernes 18 en Playa Chica de Cartagena, donde causó sensación con miles de personas bailando en la arena. El siguiente espectáculo fue en el Parque La Bandera de San Ramón, donde reunió a más de 20 mil personas que gozaron con sus canciones. Todo concluyó este domingo 20 en el Parque Araucano, ubicado en Las Condes, con una gran fiesta que congregó a unos 25 mil fanáticos del músico Bosnio y su tremenda Orquesta.
Los que pudieron asistir al “fenómeno Goran” conocieron parte de su extraordinario show y su increíble puesta en escena, un espectáculo realmente de lujo y de calidad. Felicitaciones los que se dieron el tiempo de ir a verlo en vivo. Bregovic ya sabe que en estas tierras tiene gente que sigue y admira su música, por lo que su visita a Chile sería un verdadero éxito garantizado. Un regalo para los oídos y el espíritu!!!
Siguiendo con la buena música en vivo y aprovechando las tardes de verano ahora se presenta en el Parque de las Esculturas el "Festival Providencia Jazz 2008".
Ya es una tradición que la comuna de Providencia cada año importantes nombres del jazz se reúnen en tres noches (16,17 y 18 de enero) de música para su festival junto al río.
La parrilla de esta séptima versión del festival nuevamente se luce con nombres internacionales, entre otros, Dave Holland, Enrique Tellería y los hijos de grandes de la música como Tito Puente Jr. y Ravi Coltrane, hijo de John Coltrane. De lujo!!
El Festival se iniciará el miércoles 16 a las 21.00 horas con la presentación de The Western Jazz Quartet (Universidad de Michigan, USA) y cerrará Tito Puente Jr & Band (USA)
El jueves 17, actuará el mundialmente conocido bandoneonista Enrique Tellería (Uruguay) junto a la Orquesta Sinfónica del Instituto Cultural de Providencia y luego Ravi Coltrane Quartet (USA).
Finalmente, el viernes 18 abrirá Mario Feito Trío, de Chile; seguirá la cantante Solveig Slettahjell (acompañada del trompetista Sjur Miljeteig, ambos de nacionalidad noruega; y, cerrará Dave Holland Quintet (USA).
Los valores de las entradas fluctuarán entre los $18.000 y los $ 3.000.-, por cada función. Aunque siempre hay forma de rebuscarsela para ver y escuchar este festival sin pagar (como era al comienzo) al otro lado del río... a la chilena no más.
